Artistes

Raluca et Ștefan Negură

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Raluca Pătuleanu Negură et Ștefan Negură, épouse et époux, sont originaires de Roumanie et de la République de Moldavie. Installés en Belgique il y a 30 ans, ils dirigent une académie de musique où ils proposent des cours de flûte de Pan, de flûte et de caval. 

Raluca est l’auteur de trois manuels de méthode d'enseignement de la flûte de Pan. Elle a enregistré quatre albums en tant que soliste et collabore fréquemment avec le Conservatoire Xi’an en Chine.

Ștefan est le fils du Professeur Ion Negura, fondateur de l’école de musique classique pour flûtes de Pan. Il joue de 15 instruments différents, du piano jusqu’au pipeau!  De plus, il compose notamment de la musique folk roumaine en utilisant l'électronique. 

Raluca et Ștefan organisent également le Festival Paradis Flûte de Pan. La première édition a eu lieu à Chisinau, en République de Moldavie, en 2019. La deuxième édition a eu lieu en mai 2021, à Halle, près de Bruxelles, en Belgique. Elle a réuni des flûtistes de Pan de France, de Belgique, d'Allemagne, de Suisse, de République tchèque et de Roumanie, accompagnés par l’orchestre de musique traditionnelle de la République de Moldavie.

Ioana Cristina Mihai

Ioana, née en Roumanie, commence ses études de piano à l’âge de 7 ans. Lauréate de plusieurs concours internationaux, elle donne son premier concert avec un orchestra à 14 ans. 

Elle est diplômée du Conservatoire de Iasi en Roumanie et du Conservatoire Royal de Bruxelles dans la classe de Daniel Blumenthal.

Elle a participé à des enregistrements réalisés par la télévision roumaine TVR en tant que pianiste soliste et pianiste accompagnatrice.

En 2014, elle a fondé l'école de musique MezzoForte à Etterbeek ainsi que l'asbl Art Sphère qui a pour objectif d'organiser des événements et des rencontres d'artistes. 

Ioana a participé aux festivals “Harmos” au Portugal, “George Enescu” à Iasi, “Hopes, Talents, Masters” à Dobrich, en Bulgarie. Elle joue régulièrement sur de prestigieuses scènes en Belgique, en France, en Roumanie et en Italie.

Phyllis Lehrer

Phyllis Alpert Lehrer is known internationally as a performer, teacher, clinician, author and adjudicator. She received a B.A. with music concentration from the University of Rochester and Eastman School of Music and an M.S. in piano from the Juilliard School of Music. She has enjoyed an active concert career as a soloist and collaborative artist in the United States, Canada, United Kingdom, Taiwan, Japan, Sweden, Russia, the Republic of Georgia and El Salvador. Her performances have met with much critical acclaim: "Warmth and vibrancy at its best ..." The Times (London), "An able warmhearted pianist... Impressive musicianly qualities ..." Daily Telegraph (London), "An admirable musicality ..." The New York Times. 

Ms. Lehrer is professor emerita of piano at Westminster Choir College of Rider University in Princeton, N.J. She now serves on the artist faculty of the Westminster Conservatory, the community music school associated with Westminster. A founding member of Young Audiences of New Jersey and the International Society for the Study of Tension in Performance, she has presented regularly at conferences of the Music Teachers National Association, National Conference on Keyboard Pedagogy, the European Piano Teachers Association and New Jersey Music Teachers Association. Recent lectures, master classes and performances have taken place at the Music-Quest Festival in Pune, India, the International Society for Music Education in Glasgow, Scotland, Performing Arts and Medicine Conference in Colorado and New York City, Nebraska Music Teachers Association, Portland District Music Teachers Association, Delaware Music Teachers Association, Third Street Settlement in New York City, Brooklyn College Conservatory, the Steinway Society, New York Piano Teachers’ Congress, Greenwich Music House, Westminster Choir College, the Westminster Conservatory Beethoven Festival and the New School for Music Study Faculty Alumni Recital.

Articles, interviews and reviews on piano pedagogy, music and health by Ms. Lehrer have been published in Clavier Companion, The American Music Teacher, and The European Piano Teachers Journal. Recent publications include five volumes of the great piano repertoire, Classics for the Developing Pianist, co-edited with Ingrid Clarfield, along with the Study Guides that accompany books 1, 2, 3, 4 published by Alfred, Inc. A fifth book, Study Guide 5 is available at Sheet Music Press. Personal Trainer, five volumes devoted to keyboard theory, sight playing, technique and repertoire with midi accompaniments, co-authored with Paul Sheftel, are published by YBK publications in New York City. Mr. Sheftel and Ms. Lehrer also co-edited 10 books of intermediate to early advanced piano literature with accompanying CD’s for Carl Fischer: Mastering Classic Favorites and More Mastering Classic Favorites as well as Debussy: An Album. Ms. Lehrer was author and editor of Chopin: An Album, also published by Carl Fischer. She wrote the practice suggestions for the four books of Piano Etudes for the Development of Musical Fingers selected and edited by Frances Clark, Louise Goss and Sam Holland. Among her other edited works are Fantasie-Variations and Sonata, No. 2, Op. 31 by Dianne Goolkasian- Rahbee, Outside the Box by Kevin Olson and Wynn-Anne Rossi, and Dance Preludes for Piano Duet by Timothy Brown, published by FJH.

Phyllis Lehrer has contributed several chapters to A Symposium for Pianists and Teachers: Strategies to Develop the Mind and Body for Optimal Performance and co-authored The Inner Game of Music Keyboard Workbook with Barry Green. Her collaboration of over 35 years with piano partner, Ena Bronstein Barton, includes two CDs, featuring duets and duo piano works. Honored as a Music Teachers National Association Foundation Fellow in 2007, Ms. Lehrer was voted New Jersey Music Teachers Association Teacher of the Year for 2012-2013. In 2019 she received the Westminster Merit Award from the Westminster Alumni Association. In July 2021, she received the Lifetime Achievement Award from the National Conference on Keyboard Pedagogy, of the Frances Clark Center.

Glaise

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Si son ADN est résolument chambriste, le trio s'aventure dans une proposition artistique grande ouverte; certaines tournures laissent penser à quelques grands de la chanson française et ne se privent pas de lorgner vers le jazz, notamment.
 
Glaise propose un langage musical pluriel d’où se dégagent les orientations de trois axes :

- L’axe voix - piano représente travaux et recherches entre Philippe et Nicolas depuis 2014, dans une inlassable construction esthétique de la symbiose des mots et des notes. En font traces les deux disques publiés en 2015 et 2018, salués par le métier et la presse pour la qualité artistique, l’audace et l’innovation.
 
- L’axe violoncelle - piano renvoie au grand répertoire dédié à ces deux instruments qu’Alexandre et Nicolas ont appris à approcher et pratiquer ensemble avant de s’inscrire dans une démarche de création au sein du trio.
 
- L’axe voix - violoncelle touche immanquablement par la fluidité des courbes mélodiques destinées à se rejoindre naturellement dans des fréquences proches mais des timbres distincts.

Le langage qui émane de cette création se tourne tantôt vers la musique contemporaine, par un traitement plus moderne du violoncelle, comme le ponticello ou l’exploitation des harmoniques, harmonies atonales,… ; tantôt vers le jazz avec des frappes percussives sur les instruments, des improvisations et autres accentuations rythmiques. Ou encore vers des schémas classiques avec, notamment, des formes ou des développements thématiques.

Mais toujours une expressivité simplement intemporelle que cherchent à obtenir ensemble ces cordes vocales, frottées et frappées.

Philippe Cloes

PHILIPPE CLOES (°1978) est un électron libre et disposé, Auteur, interprète et comédien au parcours résolument transversal et atypique. Publié, notamment aux éditions Tétras Lyre, Philippe a également collaboré à plusieurs éditions collectives et revues littéraires, repris par Yves Namur dans son anthologie Nouvelle poésie française de Belgique (Éditions du Taillis-Pré) et dans l’anthologie DUOS de Lydia Padellec (Editions de la Lune Bleue).

Si l'essentiel de ses attentions vont aujourd'hui vers la scène musicale avec GLAISE (Le temps du geste chez Homerecords 2022) et CLOES & PATERNOTTE (E.P. chez Pourtourprod, 2015 et Les Ogives chez MME, 2018), Philippe, formé aux arts plastiques, est d'abord passé par plus de dix années d’expositions à travers la France, la Belgique (francophone et néerlandophone), le Portugal, l’Allemagne. Ensuite des créations bien vivantes (performances, spectacles, projets musicaux, ...) vues régulièrement partout en Belgique, en France et en Allemagne (Paris, Charleville, Avignon, Bruxelles, Liège, Namur, Schönecken-Eiffel, Aachen, …). Un parcours atypique ponctué de collaborations avec : Didier Laloy, Sophie Halin, Fred Eggen, Robert Schaus, Dominique Massaut, Eric Therer, … ou encore d'affiches partagées avec : Krzysztof Styczynski & Serge Teyssot-Gay, Pascale Delagnes, Canopée, …. . Devant la caméra de Jean Ehret dans Double Tour (court métrage, 2013) et de Maxime Coton dans Soldat inconnu (docu-fiction, 2014) et une nouvelle production annoncée pour 2024, notamment. 

Alexandre Bughin

Alexandre Bughin (°1995) est un violoncelliste belge formé à l’IMEP, à la Musikhochschule de Münster et au Conservatoire Royal d’Anvers dont il sort diplômé de la classe de Justus Grimm avec grande distinction en 2021.

Au cours de plusieurs tournées en 2017 et 2018, Alexandre a été membre de l’Orchestre des Jeunes de l’Union Européenne (EUYO).  Avec celui-ci, il a joué sous la baguette de Vasily Petrenko, Manfred Honeck et Gianandrea Noseda à Londres, Amsterdam, Varsovie, Berlin, Dubai, Abou Dhabi, Ferrare, Bolzano, Grafenegg, ... Il a également représenté EUYO au sein de groupes de musique de chambre lors d’événements officiels (Landesgartenschau Bad Iburg, Sommet Europe-Asie 2018). En Belgique, il a fait partie de plusieurs ensembles : Young Belgian Strings, Antwerpen Camerata, Les Basses de Bruxelles, Opera van Vlaanderen, Opéra Royal de Wallonie, Antwerp Symphony Orchestra et accompagne Les Choeurs d'Enfants et de Jeunes de la Monnaie. Comme chambriste et soliste, il a participé à de nombreux festivals en Belgique et à l’étranger (Été Mosan, Il pleut des cordes, B-Classics, Klara Festival, Festival Musiq’3, Grafenegg Music Gallery, Bolzano Festival Bozen, Académie du Festival Pablo Casals,…).

Alexandre a remporté un premier prix au concours « Grand Prize Virtuoso » à Bruxelles (2019) ainsi que le prix spécial de « meilleur musicien belge » du concours.  Ses activités variées l’ont aussi amené dans les studios d’enregistrement : « Amour & andere probleme » (Benoît Mernier, Patrick Leterme), « Les Ogives » (Nicolas Paternotte, Philippe Cloes), « Cité Moderne » (Jimmy Bonesso) et « A Christmas Journey » (Aldo Platteau, Benoît Giaux) sous le label Cyprès.

Détenteur d’un certificat en ornithologie et passionné par la nature et les interactions du vivant, Alexandre est l’un des membres fondateurs du collectif Apus, qui comprend aussi la saxophoniste Andrea Van Acker et la documentariste Sarah De Wit. Leur premier spectacle, Ecoduct, ayant pour thématique la nature en ville, est en cours de création et devrait voir le jour dans le courant de cette année. Il est également membre du duo Xylème, du duo Anchor et enfin de Glaise, une collaboration avec le pianiste et compositeur Nicolas Paternotte et le poète Philippe Cloes, mêlant des créations originales des trois artistes. Leur premier album, Le temps du geste, est paru en novembre 2022 sous le label Homerecords.

Nicolas Paternotte

Né en 1985, Nicolas Paternotte est un musicien aux multiples facettes : formé au Conservatoire de Namur puis à l'IMEP (deux établissements où il enseigne actuellement), il s'est spécialisé en piano solo, piano d'accompagnement et écritures classiques. Parallèlement, il a côtoyé des maîtres marquants tels que Krystof Jablonski, Pascal Devoyon et Jacques Rouvier dans le cadre de stages internationaux suite à l’obtention de bourses de la Fondation Chopin et de l’IMEP. Son goût pour la scène et pour le partage artistique le conduisent depuis lors aux rencontres et expériences qui façonnent encore son profil, et le mènent régulièrement en concerts (Belgique, France, Pays-Bas, Allemagne, Italie, Pologne, Angleterre,...).

Sorti en 2015, son premier CD a marqué le début d’une fructueuse collaboration avec le poète Philippe Cloes dans une entreprise de création musicale bousculant les lissages fréquents de l’association des notes et des mots : le duo Cloes&Paternotte (www.cloespaternotte.com). Outre la composition musicale, il prend également en charge les arrangements instrumentaux dans leur deuxième opus « Les Ogives » enregistré deux ans plus tard avec quatre partenaires musiciens de renom, et paru sous le label canadien Les Disques MME. Ensuite, c’est en trio avec Alexandre Bughin au violoncelle que ce projet s’émancipe : « Glaise » est formé et sort à l’automne 2022 son premier album « Le temps du geste » sous le label Homerecords (www.glaise.be).

Également chambriste, Nicolas Paternotte forme le duo Toccade avec son épouse Cristina Rodriguez, dans un large répertoire pour piano à quatre mains. Cette connivence privilégiée s’exprime aussi dans leurs activités pédagogiques concertées, en particulier au Conservatoire de Namur, et dans la fondation, chez eux, du Centre d’art d’Yvoir inauguré en 2019, qui accueille les activités de différentes organisations culturelles : en particulier l’ASBL Cavatine, qui organise des concerts classiques et dont Nicolas a récemment repris la gestion culturelle, se plongeant ainsi dans le domaine de la diffusion musicale.

Dans un goût de décloisonnement, Nicolas Paternotte collabore régulièrement avec des troupes de comédiens (cabarets, pièces de théâtre, comédies musicales), notamment au piano de l’orchestre d’Ars Lyrica dans les récents projets « Le Magicien d’Oz » et « La Mélodie du Bonheur » dirigés par Patrick Leterme.

Tito Vittori

Tito Vittori est né à Rome, il est acteur et metteur en scène. Entre 1984 et 2020, il parcourt les scènes théâtrales de toute l'Italie. On le retrouve notamment dans des productions antiques comme dans "Les Troyennes" de Sénèque au théâtre antique d'Ostie, ou dans l'"Hécyre" de Térence au theatro "Flaiano" de Rome. Il apparaît également au cinéma dans "La famiglia Brandacci-Mia figlia si sposa" de Sergio Martino, ou dans "2 agosto 1980-La stagione della crudeltà", de Daniele Santamaria, parmi tant d'autres.

Depuis une décennie, il s'engage volontiers et avec grand succès dans la mise en scène. Il est également acteur de cinéma et réalisateur.

Alesiani Andrea

Andrea Alesiani est titulaire d’un bachelier en relations internationales de l’université de Rome 3 et d’une maîtrise en sciences économiques de l’université romaine de Tor Vergata.

Actif dans la finance comme analyste, il est également très investi dans de nombreuses recherches historiques et archéologiques concernant l’époque romaine et la civilisation étrusque et dans leur reconstituion historique. Fort de ses humanités gréco-latines, il approfondit sans cesse ces deux langues anciennes et s’est mis récemment à la pratique du latin parlé. Il participe à la tragédie de Stefano Vittori Medeae Daemones dans le rôle de Créon, roi de Corinthe.

Stefano Vittori

Stefano Vittori est titulaire d'un bachelier en lettres classiques de l'université La Sapienza de Rome (2011). Il obtient ensuite sa maîtrise en orientalisme à l'université de Pise en 2014. Dans cette même institution il achève summa cum laude en 2018 une thèse de doctorat en égyptologie. Stefano Vittori est également traducteur de nombreuses chansons, qu'il adapte pour le latin ou l'ancien égyptien.

Depuis 2021, il donne des cours d'Égyptien auprès d'Athena Nova et de latin et de grec au lycée Meucci à Aprilia (Latium). Plus récemment encore, il a entrepris d'enseigner l'Égyptien ancien en latin sur sa propre chaîne Internet. Stefano a publié plusieurs poèmes en latin, notamment publiés par "Vox Latina". Il est l'auteur de la tragédie Medeae Daemones, entièrement versifiée,  récompensée au concours international THALIA de Vicenza en 2022.

Marina Garanin

Née à Moscou, Marina Garanin a grandi à Baden-Baden en Allemagne. Artiste aux multiples talents, elle est avant tout philologue classique, diplômée des universités de Heidelberg et d'Oxford. Elle poursuit actuellement un doctorat à l'université de Heidelberg : celui-ci concerne les aspects grammaticaux de la traduction du grec vers le latin. Elle enseigne également ces deux langues ainsi que l'art poétique en général. Elle voue une passion particulière aux poètes augustéens et à Cicéron.

Sa pratique vivante des langues anciennes l'a amenée à participer à de nombreux congrès : Madrid, Amoeneburg, Poznan, Vicenza.

Elle est lauréate du prix THALIA, Vicenza 2022, de meilleure actrice dans le rôle de Médée, dans Medeae Daemones, de Stefano Vittori.  

Parallèlement, Marina écrit des poèmes en latin, en allemand et en anglais, et s'adonne à la récitation de textes antiques sur sa chaîne youtube Musa Pedestris.

Dorothea von Albrecht

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Dorothea von Albrecht a étudié le violoncelle auprès de Christoph Henkel, David Soyer et William Pleeth, à Fribourg en Brisgau, New York et Londres. Comme soliste et chambriste elle s’est produite notamment aux festivals du Schleswig-Holstein, à la Biennale de Venise, au Festival de Salzbourg ou encore lors du « Music Of The Present Day » de St Pétersbourg. 
C’est au cours de ses nombreux séjours à l’étranger qu’elle se découvre une passion pour l’improvisation, sans doute inspirée par la rencontre de musiciens issus de cultures très diverses. 
Entre 1996 et 2003, elle occupe le poste de première soliste à l’Orchestre Symphonique d’Heidelberg. 
À travers sa participation à l’Ensemble Modern de Francfort, elle développe un vif intérêt pour la musique d’aujourd’hui. Elle collabore étroitement et régulièrement avec des compositeurs tels que : Earle Brown, Matthew Burtner, Luca Tessadrelli, Martin Münch et Violeta Dinescu, Olga Magidenko, qui lui ont tous dédié, à elle ou à son ensemble, certaines œuvres. 
Depuis 2006, elle assume la direction artistique du programme-cadre du Festival Musical du Neckar. 

Gwendoline Blondeel

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Fraîchement diplômée en chant lyrique à l’IMEP (Namur), Gwendoline Blondeel remporte en 2019 le premier prix du concours de chant baroque de Froville. En 2020, elle devient Lauréate de l’académie de la Monnaie, ce qui lui permet de compléter sa formation auprès de personnalités telles que Sandrine Piau, Patricia Petibon, ou encore Pascal Dusapin. Elle y chante notamment dans « Le silence des Ombres » de Attahir ou encore « Jeanne d’arc au bûcher » de Honegger.

Lors de la saison 20-21, elle chante le rôle de Lakmé (L’histoire (en)chantée de Lakmé) à l’opéra Royal de Wallonie. Elle fait ses débuts à l’opéra de Dijon dans « Il Palazzo Incantato » de Rossi (Poesia et Fiordiligi) sous la direction de Leonardo Garcia Alarcon, à l’opéra national de Lorraine dans le film « Offenbach Report » (Olympia et Euridice), à l’opéra comique dans « Titon et l’Aurore » de Mondonville (L’Aurore) sous la direction de William Christie, au Châtelet dans « L’homme de la Mancha » (La Gouvernante), ou encore au Festival de Beaune dans Die Zauberflöte (Première Dame). Elle fait partie du Jeune Ensemble du Grand Théâtre de Genève pour la saison 21-22. Elle y chante les rôles de Douniascha et Peronskaia (Guerre et Paix), V Mägd (Elektra) ainsi que Flore, Doris et Divinité fontaine (Atys). Lors de cette saison, on l’entend également dans les rôles de Fiordiligi et Poésie (Il Palazzo Incantato) à l’opéra national de Lorraine ainsi qu'à trois reprises à l’opéra Royal de Versailles : Il Palazzo Incantato, Atys et Titon et l’Aurore. En 2019, elle participe à l’album « Colonna - O splendida dies » enregistré avec l’ensemble Scherzi Musicali (Ricercar).

Lors de la saison 20-21, elle enregistre trois nouveaux disques. Le premier (Ricercar) : Semele de Handel sous la direction de Leonardo Garcia Alarcon (Cupidon). Les deux autres, sous le label Château de Versailles Spectacle : « Misere - Lully » avec l’ensemble Les Epopées et « La Senna Festeggiante » de Vivaldi sous la direction de Diego Fasolis (L’Età dell’Oro). En concert, elle se produit à la Chapelle Royale de Versailles, la Philharmonie de Paris, l’Auditorium Radio France, la Bijloke, l’opéra de Massy, au festival d’Ambronay, au festival de Luneray, l’abbaye de Royaumont, l’abbaye de Fontevraud, Saint-Florent-le-Viel, Arques-la Bataille… Elle travaille avec les ensembles Cappella Mediterranea (Leonardo Garcia Alarcon), Les Arts Florissants (William Christie), Les Ambassadeurs (Alexis Kossenko), Les Epopées (Stéphane Fuget), Orfeo Orchestra (György Vashegyi), Scherzi Musicali (Nicolas Achten), Le Consort (Justin Taylor), Correspondance (Sébastien Daucé), Concert Hostel Dieu (Franck-Emmanuel Comte)… Elle joue dans des mises en scène de Calixsto Beito, Fabrice Murgia, Angelin Preljocaj, Roméo Castellucci, Ulrich Rasche, ou encore Basil Twist.

Ewald Demeyere

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Puisqu’un musicien ne peut émouvoir que s’il est ému lui-même, il est nécessaire qu’il
fasse siens tous les sentiments qu’il veut éveiller chez ses auditeurs.

—Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788)

Le claveciniste Ewald Demeyere est convaincu que la transmission du contenu
émotionnel d’une composition est la tâche la plus importante d’un interprète.
Cependant, comme chaque période a ses spécificités, il veut joindre à l’émotion la
technique du clavier et l’interprétation historiquement informées. Ses recherches,
qui ont abouti entre autres à la publication du livre "Johann Sebastian Bach's Art of
Fugue—Performance Practice Based on German Eighteenth-Century Theory (Leuven
University Press, 2013)", ne constituent jamais une fin en soi mais sont au service de
l’éloquence du discours musical.
En tant que soliste, il se spécialise dans la musique pour clavecin allemande et
française du 18 ème siècle, et particulièrement dans l’œuvre de J.S. Bach et ses fils.
Dans le domaine de la musique de chambre, il travaille notamment avec Barthold
Kuijken et Vinciane Baudhuin.

Ewald Demeyere a enregistré plus d’une centaine de CDs, dont un grand nombre en
solo ou musique de chambre.
Il a fondé en 2007 l’orchestre baroque Bach Concentus, qui a réalisé à ce jour quatre
enregistrements : Johann Bernhard Bach & Georg Philipp Telemann—Overtures
(ACCENT), “O Woe! O Woe! My Canary is dead”—Secular Cantatas & Overtures (avec
Dorothee Mields, soprano ; ACCENT), Symphonies by the Bach Sons (ACCENT ; Choc
de Classica) et Les Nations—Overtures &  Oboe Concertos (avec Vinciane Baudhuin,
hautbois).
Ewald Demeyere a obtenu en 2009 le titre de Docteur en Arts à l'Université d'Anvers
et l'Artesis Hogeschool Antwerpen (Associatiefaculteit Kunsten) pour sa thèse
A Contextual, Text-Critical Analysis of Johann Sebastian Bach's Art of Fugue –
Reflections on Performance Practice and Text-Critical Analysis, and the interaction
between them.
En 2013 il a été invité à participer au jury du concours international de clavecin Paola
Bernardi à Bologne et a pris part en mars 2019 au jury du concours international de
musique de chambre Telemann Wettbewerb à Magdeburg.
En 2018, Ewald Demeyere a remporté le concours de composition CPEB: CW
Counterpoint Contest pour son Ricercar a 5 per cembalo, que le jury a jugé « le plus
abouti et le plus naturel ».
Il est également considéré comme un spécialiste en partimento, domaine dans
lequel il a réalisé plusieurs publications importantes : la première édition critique des
partimenti et regole de Fedele Fenaroli, et l’édition critique du Manuscrit de Parme,
une des plus anciennes sources contenant des intavolature (des réalisations pour
clavier) de Fenaroli.
Ewald Demeyere enseigne le clavecin, la basse continue, le partimento et
l’improvisation à l’Institut Supérieur Royal de Musique et de Pédagogie de Namur
—dont il dirige le département de musique ancienne— et le partimento,
l’improvisation, l’oratorio et l’interprétation historiquement informée au
Conservatoire Royal d’Anvers.

Malabika Brahma

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Malabika Brahma (voix) et Sanjay Khyapa (percussions) sont nés à Kolkata.

Leur amour de la musique les a réunis il y a 16 ans. La culture Baul prend sa source dans le Bengale (Inde orientale) où les musiciens se déplacent de lieu en lieu et interprètent le répertoire sacré inspiré par l'hindouisme, le bouddhisme, l'islam, le yoga et le tantra.

De sa voix chaude et subtile, Malabika chante des poèmes centenaires accompagnée par Sanjay au luth (dotara) et à la percussion (dubki). Ils collaborent avec des musiciens de divers horizons et ont voyagé en Europe et aux Etats-Unis lors d' échanges culturels.

Ils ont aussi coordonné des ateliers artistiques uniques destinés aux femmes dans plusieurs régions d'Inde.

En 2010, ils enregistrent leur premier album “Bhromor” (Kozmik Music) avec le saxophoniste de jazz Tony Roberts.

En 2015, ils posent le pied en Belgique pour la première fois pour animer un séminaire à l'Académie d'Eté de Libramont. Dans la foulée, ils rencontrent le duo Auster Loo (Lydie Thonnard et Simon Leleux), avec qui ils enregistrent plusieurs pièces qui figurent sur le disque Rhythm & Breath publié par Home Records.

Amandine Savary

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Amandine Savary commence ses études de piano au conservatoire de Caen puis les continue à la Royal Academy of Music de Londres avec Christopher Elton et Alexandre Satz. Elle y obtient un Masters Degree, première nommée.

En Grande-Bretagne, elle est lauréate du Tillet Trust Young Artists' Platform Scheme 2006, du Kirckman Concert Society 2008 Scheme, du Philip and Dorothy Green Award for Young Artists Concert Series 2008, du Park Lane Group Young Artists Series 2008. Elle est également retenue par les Holland Music Sessions 2007 comme « New Master on Tour 2008-2009 ».

En 2006, elle co-fonde et devient membre du Trio Dali (avec Vineta Sareika et Christian-Pierre La Marca), qui remporte de nombreux succès aux concours internationaux d’Osaka, Francfort (1ers prix) et New York (second prix).

Le premier enregistrement du trio consacré à Ravel pour le label Fuga Libera – Outhere reçoit un succès critique international (Diapason d’or, « 10 » de Classica, Disque du mois, Clef de ResMusica, « Choc de l’année » Classica 2009, Esceptionnal de Scherzo…), de même qu’un deuxième enregistrement dédié à Schubert, paru en mai 2011 sous le même label (« 5 » de Diapason, « 4 » de Classica, « Coup de Cœur » Fnac, « Choix » de Qobuz, « ƒƒƒ » de Télérama, Editor’s Choice de Gramophone).

Par ailleurs, elle enregistre les Toccatas de Bach, puis les Impromptus de Schubert.

Amandine Savary est professeur de piano et de musique de chambre à la Royal Academy of Music de Londres où elle a été elle-même élève9.

En septembre 2019, elle co-fonde le Trio Salieca avec Jack Liebeck (en) (violon) et Thomas Carroll (violoncelle).

Ella a partagé la scène avec des musiciens tels qu'Alfred Brendel, Augustin Dumay, Tsuyoshi Tsutsumi, Lawrence Power, Paul Neubauer, Michel Portal.

Elle collabore avec des orchestres tels que London Mozart Players, London Pro Orchestra, European Union Chamber Orchestra, Orchestre de Bretagne, Orchestre National de Lille, Orchestre royal de chambre de Wallonie, Philharmonia Orchestra, Sinfonia Varsovia, Latvian National Symphonic Orchestra, Orchestre Philharmonique du Luxembourg, sous la direction de Moshe Atzmon, Hilary Devan Watton, Murray Stewart, Augustin Dumay, Jean-Claude Casadesus, Gérard Korsten, Pascal Rophé, Emmanuel Krivine. (wikipedia)

Emre Gültekin

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Emre Gültekin a été initié à l'art du Saz turc, ce luth au long manche qui produit les plus subtiles harmonies, par Talip Özkan et son père, le barde Lütfü Gültekin. Cet instrument insaisissable a traversé l'Asie du Moyen-Orient à la Sibérie en prenant toutes sortes de formes et de tailles. C'est en Anatolie que le Saz a fleuri grâce aux maîtres Talip Özkan et Mustafa Karaçeper qui ont transmis leur art à Emre.

Aujourd'hui, Emre se consacre à de nombreux projets musicaux notamment en duo avec le joueur de duduk arménien Vardan Hovanissian et l'ensemble turco-indien Baul Meets Saz. Il aime collaborer avec des musiciens de tous horizons comme Malick Pathe Sow, Goran Bregovic , Tristan Driessens, Véronique Gillet, La Roza Enflorese et bien d'autres. Il a aussi fait partie des groupes Blindnote et de l'ensemble familial Gültekinler tout en exerçant le métier d'ingénieur du son. Actuellement, il élargit sa pratique musicale à la composition notamment de musiques de films. Emre Gültekin enseigne la pratique du saz à Bruxelles (Muziekpublique et Seyir Academy).

Korneel Le Compte

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Né dans une famille d'artistes sculpteurs et musiciens (son ancêtre Edgar Tinel fût l'un des premiers directeurs du conservatoire de Bruxelles), Korneel Le Compte fit ses études de contrebasse à ce même conservatoire, où il obtint le Premier Prix, le Diplôme Supérieur, le Master's Degree (Maîtrise) en contrebasse moderne, et le Master's en Contrebasse Baroque et Violone (l'ancêtre de la contrebasse). Il est le seul contrebassiste au monde à avoir obtenu ces quatre diplômes. En ce moment il prépare son Doctorat Artistique, intitulé "Building Bridges". Depuis plus de vingt-cinq ans, il est contrebasse Solo à l'Opéra National (Théatre de la Monnaie). Il se produit en soliste et en chambriste, et il a joué avec de nombreux ensembles tels que le Quatuor Danel, le Monnaie Bassquartet, Ictus, Oxalys, Il Gardellino, Les Musiciens du Louvre, Les Agrémens, etc...et avec les meilleurs musiciens Belges et internationaux.

En outre, Korneel Le Compte se consacre à la pratique des instruments de basse historiques, notamment la contrebasse classique Viennoise avec son accord spécifique en tierces et quartes, le violone et la viole de gambe.

Il a enseigné aux conservatoires de Bruxelles et de Shanghai. Depuis 2012 Korneel est Ambassadeur belge pour Basseurope.

Mathis Rochat

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Né en 1994 à Genève, Mathis Rochat est un altiste chambriste et soliste Franco Suisse.

Peintre amateur, il cherche la couleur dans son jeu, et sa carrière émergente se distingue par la qualité de ses projets de musique de chambre et de nouvelles créations pour son instrument.

Il se forme auprès d’Antoine Tamestit à Cologne dés l’âge de 15 ans, avant de poursuivre ses études chez Tatjana Masurenko à Leipzig.

En 2019, Mathis Rochat fait partie de l’élite internationale des jeunes altistes qui se produirent en récital au festival des “Sommets Musicaux” de Gstaad.

Il fait ses débuts en soliste en 2016 la Norddeutsche Philharmonie dans le cadre des Festspiele Mecklenburg Vorpommern et on le retrouve au sein de différents groupes de musique de chambre dans des festivals tels que le Festival de Pâques de Deauville et les „Sonates d’Automne“ de Loche, les Schwetzinger Festspiele, le „CaFe“ Budapest, Stavanger chamber music festival, „Krzyzowa music“ et „Chamber Music Connects the World“ de la Kronberg Academy où il se produit  autant avec les „ainés“  tels que Gidon Kremer, Lynn Harrel, Augustin Dumay, Pinchas Zuckermann, Christian Tetzlaff, Jerôme Pernoo et Antje Weithaas qu’ avec la nouvelle génération d’artistes tel que Adam Laloum, Pierre Fouchenneret,Victor Julien-Lafferière, Nadège Rochat, David Kadouch, Anastasia Kobekina,Yann Levionnois et Will Hagen.

Son intérêt pour la musique contemporaine se traduit par son travail avec des compositeurs tels que Detlef Glanert, Garth Knox et Christophe Staude pour lequel il va enregistrer la pièce „Nachbild“ pour alto seul et participe aux masterclasses de l’ensemble modern de Francfort.

Avec la production de son premier CD  “l’alto parnassien“ (Juin 2019) Il entame une longue recherche sonore dédiée à son instrument, avec plusieurs transcriptions de pièces et chansons tirées de la musique impressionniste française.

Il joue un alto de Pierre Vidoudez fait à Genève en 1949.

En septembre 2019, il rejoint la Chapelle Musicale Reine Elisabeth comme artiste en résidence sous la direction de Miguel da Silva.

Brigitte de Callataÿ

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Brigitte de Callataÿ a étudié l'alto et l'histoire de la musique au CRMB, et obtenu un Master en alto baroque avec Mira Glodeanu en 2012. Elle joue régulièrement avec des ensembles baroques tels que les Agrémens, Il Gardellino, la Cetra d'Orfeo, Millenium Orchestra...

Elle participe également à de nombreux concerts en orchestre de chambre et en quatuor à cordes, notamment avec le quatuor Capriccio et le trio Senza Coda.

Professeur de musique à Notre-Dame des Champs pendant 25 ans, elle se passionne aussi pour la sculpture en participant à de nombreuses expositions et parcours d'artistes.

Sigrid Vandenbogaerde

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Sigrid Vandenbogaerde est une violoncelliste dont la carrière est exceptionnellement éclectique. Elle aborde tous les styles grâce à ses collaborations tous azimuts. Concertiste chambriste ou soliste, elle se produit en Europe ainsi qu'en Chine, Canada, Russie, Ouzbékistan... En septembre 2015, Sigrid a créé “Gift”, projet solo, qui a reçu en mars 2016 l’ Octave Pointculture de la musique. Ses collaborations actuelles sont : eVanescens (projet multi-médias), Ann Wolf Quartet, Duo avec Manuel Hermia, Trio avec Jean-Philippe Collard-Neven et Émilie Tack, Lonh, Capriccio Quartet, Festival Ars Musica.
 

Bruno Georis

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Bruno Georis, comédien de théâtre, a joué plus de 80 pièces sur les scènes belges. Il est régulièrement sur les écrans de cinéma (dernièrement King of the Belgians, L’apparition, Ma mère est folle…) et à la télévision (Ennemi public, Champion, Unité 42...). Il prête sa voix à de nombreuses publicités et en doublage de films mais a surtout développé parallèlement à ses nombreuses activités professionnelles, des spectacles de littérature et de poésie en l’associant avec de la musique ou en lui donnant des cadres originaux. Sa passion : sortir le livre de sa bibliothèque, lui prêter une voix et lui créer une nouvelle intimité avec le lecteur-spectateur.

Peer Findeisen

Peer Findeisen a étudié la musique, la musicologie, la philosophie et la philologie. En 1998, il est promu docteur en musicologie de l’Université de Heidelberg. Il est en outre premier lauréat du concours de musique de chambre pianistique organisé à Hanovre en 1995 par la Friedrich Jürgen Selheim Gesellschaft. Il est invité au festival Oberstdorfer Musiksommer en 1996, 97 et 99. Il a enregistré de nombreuses émissions de radio, de télévision et réalisé plusieurs enregistrements discographiques.

Il fut au piano l’élève de Hans-Helmut Schwarz et de Paul Buck. Il reçoit pour celles-ci une bourse d’études de la DAAD. Il a traduit plusieurs ouvrages musicologiques norvégiens en allemand et participe à divers colloques musicologiques en tant que référent. En 1998, il est invité comme chercheur à l’Académie Norvégienne des Sciences d’Oslo.

Entre 2000 et 2008 il enseigne la stylistique pianistique à la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst de Francfort. A présent, après 21 ans d’enseignement de la musique, du latin et de l’éthique au Kurpfaltz Gymnasium de Mannheim, il professe depuis 2020 au Privatgymnasium de Mannheim, récemment fondé.

Ses activités pédagogiques ne l’empêchent pas de développer une importante activité de concertiste soliste, chambriste ou accompagnateur de lied.

Karski Quartet

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Rapidement reconnu sur la scène internationale pour ses interprétations d’oeuvres allant de Haydn au répertoire du 21e siècle, le Karski Quartet s’est formé en Belgique en 2018 et se produit dans une grande variété de salles en Europe.

Les membres fondateurs du quatuor sont les violonistes Kaja Nowak et Natalia Kotarba, l’altiste Diede Verpoest et la violoncelliste Julia Kotarba. Après avoir joué ensemble dans différentes combinaisons instrumentales, ils se retrouvent tous les quatre en 2018 lors de l’Académie du Festival Résonances. Peu de temps après, ils reçoivent le Grand Prix et le Prix Spécial des Alumni du Koninklijk Conservatorium Brussel lors du concours Triomphe de l’Art  à Bruxelles.

Depuis la création de l’ensemble, leurs mentors sont David Waterman, Philippe Graffin et Amy Norrington. En janvier 2019, ils ont rejoint le String Quartet Studio du Royal Northern College of Music de Manchester où ils travaillent avec Donald Grant (Elias Quartet), Petr Prause (Talich Quartet), Pavel Fischer (ex-Škampa Quartet) et Simon Rowland-Jones (ex–Chilingirian Quartet). Depuis septembre 2019, le Quatuor Karski est également artiste en résidence à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth à Waterloo où ils se perfectionnent avec les membres du Quatuor Artemis et Miguel Da Silva.

Les Goûts Authentiques

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L’ensemble de musique ancienne Les Goûts Authentiques a pour objectif de présenter la musique de la renaissance, du baroque ou de la période classique d’une façon colorée et vivante. Leur nom Les Goûts Authentiques est un clin d’oeil au terme Les Goûts Réunis. C’est ainsi que François Couperin, dans la première moitié du 18ème siècle, décrivit la recherche d’une symbiose entre les styles baroques italien et français. Il était convaincu que cela mènerait à une meilleure musique, voire à un monde meilleur! Les membres de l'Ensembe Les Goûts-Authentiques varient selon le programme. L’ensemble a réalisé plusieurs enregistrements sous la direction de Jan Devlieger notamment A due cembali obligati (duo de clavecins), The Submission (famille Loeillet) et The Delightful Companion (duo de flûtes-à-bec de la renaissance et du baroque). 

Jana Pieters, soprano; Leander Van Gijsegem, tenor; Adelheid Glatt, viole de gambe;

Piet Stryckers, viole de gambe & vielle-à-roue; Mirella Ruigrok, flûte-à-bec & douçaine;  

Jan Devlieger, flûte-à-bec, clavecin & direction

Martina Antognozzi

Martina Antognozzi commence ses études de harpe à huit ans au Conservatoire de musique O.Respighi de Latina (Italie). Elle intègre ensuite la classe de harpe de Jana Bouskova au Koninklijk Conservatorium Brussel où elle obtient en 2016 son Master avec Grande Distinction. Martina a également étudié avec des harpistes reconnus comme Ursula Holliger, Fabrice Pierre et Germaine Lorenzini. En 2014 Martina est lauréate de plusieurs concours internationaux. Divers orchestres l’ont accueillie : Orchestre e Coro Lirico sinfonico-di Roma, l’Orchestre Symphonique de Stavanger en Norvège et la Bayerische Philarmonie en Allemagne. En tant que soliste, elle a récemment joué avec l’orchestre de chambre Mitteldeutsche Kammerphilharmonie en Allemagne.

Nicolas Achten

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Baryton, claveciniste, luthiste, harpiste et chef d’ensemble, Nicolas Achten (Bruxelles, °1985) s’est très jeune fait une place de choix dans le monde de la musique ancienne : lauréat du VIIème Concours International de Chant baroque de Chimay en 2006, il est élu artiste classique de l'année 2009 aux Octaves de la Musique et « Prix du jeune musicien de l’année 2009 » décerné par l’Union de la presse musicale belge. 

Nicolas Achten a étudié le chant, le luth, le clavecin et la harpe ancienne aux Conservatoires royaux de Bruxelles et la Haye ; il a complété sa formation lors de diverses masterclasses, notamment à l’Académie baroque d’Ambronay et au Centre de la Voix de Royaumont.

Il est invité depuis 2004 par de prestigieux ensembles de musique ancienne, parmi lesquels l’Arpeggiata, la Fenice, La Petite Bande, Ausonia, les Agrémens, Akadêmia, Les Talens Lyriques, Il Fondamento, Les Musiciens du Louvre, Il Seminario Musicale, le Poème Harmonique, Akademie für Alte Musik Berlin, et sous la direction de chefs tels Jean Tubéry, Sigiswald Kuijken, Marc Minkowski, Christophe Rousset et René Jacobs.

Il est aujourd’hui l’un des rares chanteurs classiques à s’auto-accompagner, renouant avec la pratique historique. Désireux d’approfondir cette démarche et de mettre en pratique ses recherches, il fonde l’ensemble Scherzi Musicali, dont les concerts à travers l’Europe et 10 enregistrements suscitent l’enthousiasme unanime du public et de la presse internationale (Diapason d’or découverte, Choc de Classica, Joker de Crescendo, La Clef de ResMusica, Prelude Classics Award 2009, Muse d’Or, Ring de Classique Info, « Outstanding » dans l’International Record Review, Pix Cæcilia…).

En marge, Nicolas explore également des rencontres atypiques, en duo avec l’accordéoniste folk Dider Laloy, ou encore en trio avec le saxophoniste jazz Manu Hermia ou le chanteur pop/rock Kris Dane.

Nicolas Achten enseigne le chant, le luth et la théorie appliqué de la musique ancienne au Conservatoire royal de Bruxelles. Il a assuré la direction musicale des stages d'été de Muziektheater Transparant de 2007 à 2015, et est régulièrement invité pour des masterclasses à travers l’Europe (Operastudio Vlaanderen, SIMAW à Namur, University of East Anglia, the Yorke Trust à Norfolk, Conservatorio Milano, ...).

Scherzi Musicali

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“Nicolas Achten et son collectif belge partagent une vertu qui ne s'enseigne pas, ne se cultive pas et se perd vite : la fraîcheur.“ (Diapason Magazine).

En plus de dix années d’existence, le collectif belge Scherzi Musicali est devenu un ensemble incontournable dans le monde de la musique ancienne, reconnu pour son travail sur les répertoires du dix-septièmes et dix-huitième siècles qu’il explore avec un plaisir insatiable. Redécouvertes ou grand répertoire, Scherzi Musicali se veut d’aborder la musique avec la même objectivité, et chacun des paramètres de leur interprétation fait l’objet de recherches et réflexion, en quête des choix philologiques les plus justes pour aborder chaque style musical. 

Constitué de trois à plus de quarante musiciens, l’ensemble est articulé autour de son fondateur et directeur artistique, Nicolas Achten (°1985), lequel chante en s’accompagnant au luth ou théorbe, à la harpe ou encore au clavecin. Il est entouré d’un noyau de jeunes chanteurs et instrumentistes avec qui, concert après concert, il développe une identité sonore axée sur les instruments de basse continue et leur interaction avec la rhétorique du chant. 

Scherzi Musicali se produit à travers l’Europe: Festival de Wallonie, Festival van Vlaanderen, deBijloke, deSingel, Concertgebouw Brugge, Amuz, Bozar, Automne Musical de Spa, Festival Oude Muziek Utrecht, Operadagen Rotterdam, Ferrara Musica, Amici Della Musica di Padova, the Venetian Festival of Baroque Music, Tage Alter Musik Herne, Musikfestspiele Potsdam, Musikverein Wien, Kölner Philharmonie, Itinéraire Baroque en Périgord Vert, Embaroquement Immédiat, Festival d’Ambronay, etc. 

Conscient de sa mission pédagogique, Scherzi Musicali collabore régulièrement avec les "Jeunesses Musicales" et "Jeugd & Muziek" pour faire découvrir la musique ancienne auprès du jeune public.

La discographie de Scherzi Musicali comprend à ce jour dix enregistrements, dont huit en première mondiale : “L’Euridice” — Giulio Caccini (2008), “Dulcis Amor Iesu” — motets de Giovanni Felice Sances (2009), “Petits Motets” — Joseph Hector Fiocco (2009),  “La Catena d’Adone” — Domenico Mazzocchi (2010), "How pleasant 'tis to Love" — songs de Henry Purcell (2012), “Il Pianto d’Orfeo” — Monteverdi, Caccini, Peri… (2013) et “La Maddalena”, oratorio d’Antonio Bertali (2016). Un second volume de motets de Fiocco paraît en mars 2017, suivi de “Dialoghi Amorosi”— Sances (2017) — et “O Penosa Lontananza” — cantates inédites d’Alessandro Scarlatti (2018). Ces albums ont été publiés par Alpha, Musique en Wallonie, Deutsche Harmonia Mundi/Sony et Ricercar, pour qui l’ensemble enregistre désormais en exclusivité. 

Chacun de leurs enregistrements a suscité un enthousiasme réel de la presse internationale : Diapason d’or découverte, Choc (Classica), Joker (Crescendo magazine), Octaves de la Musique, La Clé (ResMusica), Prelude Classics Award, 4 étoiles (Monde de la musique), Muse d'Or & Muse du mois (Muse baroque), Golden Ring (Classic Info), Outstanding (International Record Review), Pix Cæcilia, etc.

Scherzi Musicali est soutenu par la Fédération Wallonie-Bruxelles (Direction générale de la Culture, Service de la Musique) et est “artiste en résidence” au Koninklijk Museum Voor Schone Kunsten Antwerpen de 2018 à 2022.

Ashot Khachatourian

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  Comment le décrire ? 

" Une Force, Une vérité, Une énergie, Une passion, Un talent sans frontières, Un vrai musicien. "

    Maria João Pires

Animé d’une passion musicale débordante, le pianiste Ashot Khachatourian se crée aujourd’hui un prénom digne du plus grand compositeur arménien. Ashot Khachatourian commence le piano à l’âge de cinq ans chez Valentina Melikyan et Galustova Elena au Centre d’Etudes Charles Aznavour de son pays natal. Il poursuivra sa formation à Bâle, auprès de Gerard Wyss et Elisso Virssaladze en Italie a Fiesole, ainsi qu'à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth en Belgique auprès de la grande pianiste Maria João Pires. 

Lauréat de nombreux concours, Ashot Khachatourian a été particulièrement remarqué dans les concertos n°2 et 3 pour piano de Rachmaninov. Il n’est pas étonnant qu’il reçoive le 1er Prix au Rachmaninoff Piano Competition en 2006 ou encore le 1er Prix Martha Argerich Piano Competition en 2007, Top of the World International Piano Competition en 2011, Concours d’Epinal en 2013 ainsi que le Prix d'études du Pour-cent culturel Migros en Suisse. 

Le jeune virtuose a été invité à se produire auprès de grands orchestres comme le London Chamber Orchestre, Orchestre Royale de Wallonie, Norvège Radio Orchestre, Basel Symphony Orchestre, Orchestre Le Concert Olympique, Sinfonietta de Lausanne, Orchestre de Chambre de Lausanne, Orchestre du XVIIIe siècle en Belgique, en Suisse, Norvège, en Allemagne, partout en Europe avec des chefs comme  Rodolfo Fischer, Augustin Dumay, Daniele Gatti, Thomas Søndergård, Christopher Warren-Green et autres.

Ashot a été invité à jouer dans les salles comme la Salle Pleyel, Salle Cortot, Salle Molière, le Louvre, Salle Gaveau, St-Petersbourg Philharmonie, Berlin Konzerthaus, Cadogan Hall, Concertgebouw Amsterdam, Musis Sacrum Arnhem, Concertgebouw Brugge, De Singel Antwerp, TivoliVredenburg Utrecht, Muziekgebouw Frits Philips Eindhoven, Palais des Bozar, Palau de Valencia et autres grandes salles du monde entier. En tant que chambriste, Khachatourian a collaboré avec des artistes de renom tels que Mischa Maisky, Maxim Vengerov, Michael Guttman, Ivan Monighetti, Liana Issakadze, Zakhar Bron, Augustin Dumay, Gary Hoffman, Gérard Caussé et bien d'autres encore.

Aujourd’hui, Ashot Khachatourian partage sa vie entre concerts et enregistrements dont le premier CD consacré à Haydn et Beethoven est sorti en Décembre 2013, le deuxième CD consacré à Chopin est sorti en février 2019 . Il est également Fondateur et directeur artistique du concours international de musique Eugène Ysaÿe.

Il partage régulièrement la scène en duo  avec Maria João Pires , prouvant là encore son talent exceptionnel et une âme musicale à l’état pur.

Trio Becel

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Le Trio Becel tire son nom du verbe « Bécèl » qui signifie « parler » en hongrois. Les musiciens partagent en effet l'amour d'un langage qu'ils adressent au public de façon directe, légère et ludique. Jeune ensemble de musique de chambre bruxellois, le Trio Becel se donne pour mission d'élargir les horizons de la scène musicale à l'audiovisuel, la philosophie, le théâtre et à la poésie. Amoureux de la musique savante dite classique et fort d'un répertoire du XXème siècle, le trio n'hésite pas, pour autant, à ouvrir les perspectives en opérant des transcriptions et en adaptant de grandes oeuvres.  L'exigence musicale, la précision du geste et la profondeur sémantique garantissent le sérieux de leur travail et donnent à entendre toute leur humanité. 

Derrière cet ensemble original se cachent trois musiciens talentueux : 

flûte: Léonore Frommlet  harpe: Martina Antognozzi alto: Gergely Kóta

Quatuor Zemlinsky

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Depuis sa formation en 1994, le QUATUOR ZEMLINSKY est devenu l’archétype de l’ensemble montrant la continuité de l’école et de la tradition du quatuor à cordes en Bohême. L’ensemble a remporté le Premier Prix au Concours International de Quatuor à cordes de Bordeaux de 2010 et conclut ainsi toute une série de prix obtenus aussi bien à Banff (Canada), au Printemps de Prague qu’à Londres où il remporta le Prix de la Presse. Il a par ailleurs reçu le Prix de la Fondation Alexandre Zemlinsky, dont il porte désormais le patronyme. Le Quatuor a été invité à effectuer de nombreuses tournées sur les quatre continents. Son répertoire compte déjà plus de 200 partitions signées d’une pléiade de compositeurs majeurs, appartenant à la tradition germanique et slave, ainsi que contemporains. Depuis le début de 2007, le Quatuor enregistre en exclusivité pour le label français Praga Digitals, qui fait se joindre depuis 1992 les patrimoines européens occidentaux et orientaux. Leur premier coffret (4-CD) a obtenu d’entrée un ‘Diapason d’Or’ dans la principale revue d’expression française. Il regroupe les Quatuors de jeunesse de A.Dvořák. Cet enregistrement ainsi que les suivants dédiés à Schubert, Zemlinsky, Mendelssohn, Kalabis, Glazunov et aux compositeurs espagnols ont reçu un accueil enthousiaste au plan international dans le sillage de ce brillant début. 

Ayant travaillé auprès de Walter Levin, le fondateur du Quatuor Lasalle, puis de Josef Klusoň, du Quatuor Pražák, le groupe désormais enseigne également en tant quatuor-en-résidence au Conservatoire de Bâle et donne des master-classes destinées à des étudiants de tout âge. Il n´y a pas longtemps, F. Souček et P. Holman sont devenus professeurs au Conservatoire de Prague.

Ronald Van Spaendonck

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Ronald Van Spaendonck est professeur de clarinette aux Conservatoires Royaux de Bruxelles, de Mons (Arts2) et à l’Ecole Normale de Musique de Paris (Alfred Cortot). Il est également Professeur « Honoris Causa » au Conservatoire de Guangzhou (Chine). Conseiller artistique du groupe « Buffet Crampon », il est aussi « Gold Performing Artist » pour les anches « d’Addario ». Ronald Van Spaendonck est depuis 2016 Directeur artistique du festival de Lasne. Il est considéré comme l'un des meilleurs clarinettistes de sa génération. En septembre 2000, il est choisi comme BBC New Generation Artist et est invité à se produire avec le BBC Scottish Symphony, BBC Philharmonic Orchestra et le BBC National Orchestra of Wales avec qui il fit ses débuts aux PROMS en juillet 2002. Il donne des récitals et des concerts de musique de chambre au Wigmore Hall de Londres Hall et est invité très souvent au prestigieux Festival International de Musique d'Edimbourg. Ronald Van Spaendonck a joué dans les plus grandes salles mondiales avec entre autres l' Orchestre Philharmonique de Liège, Het Brabants Orkest, l'Orchestre National de Belgique, l'Orquestra Clássica de Porto, l'Orchestre de la ville de Oulu en Finlande, l'Orchestre Symphonique de Zürich, l'Orchestre Philharmonique du Luxembourg, das Deutsches Symphonie Orchester Berlin, l’Orchestre Simon Bolivar du Venezuela et l’Orchestre de Sao Paulo au Brésil. Invité en 2002 à se produire au Suntory Hall de Tokyo dans le cadre de la « JAL Classic Special New Artist Serie », il fera des débuts remarqués au Japon. Ses partenaires de musique de chambre incluent les quatuors Skampa, Ysaye, Belcea, Szymanowski, Aviv, Modigliani, the Royal string quartet et Ebène, les pianistes Alexandre Tharaud, Johan Schmidt, Frank Braley et Muhiddin Dürrüoglu, les violonistes Gidon Kremer, Renaud Capuçon, Graf Mourja, Lisa Batiashvili et Ning Kam, les altistes Lise Berthaud, Laurence Power et Antoine Tamestit, les violoncellistes Marie Hallynck, Mischa Maisky, Marc Coppey, Peter Whispelway, Alban Gerhardt, Jean-Guihen Queyras et bien d'autres. De nombreuses récompenses internationales lui ont été attribuées : Lauréat de l'European Youth Competition à Zürich, Premier prix du Concours International TROMP à Eindhoven, Premier prix du Concours International de Dos Hermanas (Séville) et Premier prix du Concours International pour Instruments à Vent A.Gi. Mus à Rome. Il est également lauréat « Juventus » (1991), « Rising star » (1998) et prix « Fuga » (2014). Ses professeurs furent Léon Jacot, Walter Boeykens, Anthony Pay (Londres) et Karl Leister (Berlin). Il a réalisé un nombre impressionnant d'enregistrements salués unanimement par la presse (choc du « Monde de la musique » 10 de « Répertoire », ffff de « Télérama », « Diapason » d'or, Gramophone Choice, joker de « crescendo » etc).

Marie Hallynck

Soliste confirmée, chambriste et pédagogue passionnée, Marie Hallynck figure désormais parmi les violoncellistes incontournables de sa génération. Ses pas l’ont menée dans des salles aussi prestigieuses que le Concertgebouw d’Amsterdam, la Musikverein de Vienne, le Wigmore Hall de Londres, le Symphony Hall de Birmingham, le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, le Théâtre de la Ville et la Cité de la Musique à Paris, la Philharmonie de Cologne, de Berlin pour ne citer qu’elles. On la retrouve en soliste avec l’Orchestre Philharmonique de Saint-Pétersbourg, l’Orchestre National de Belgique, l’Orchestre Philharmonique de Rotterdam, l’Orchestre de chambre du Concertgebouw d’Amsterdam, l’Orchestre National de Lille, l’Orchestre Philharmonique chinois de Hong-Kong… ou aux côtés des pianistes Cédric Tiberghien, Jean-Claude Vanden Eynden, Emmanuel Strosser et Muhiddin Dürrüoglu. C’est en compagnie de ce dernier et du clarinettiste Ronald Van Spaendonck qu’elle fonde en 2006 l’ensemble Kheops, ensemble à géométrie variable qui réunit une dizaine de musiciens dont Sophie Hallynck, Lise Berthaud, Ning Kam, Graf Mourja, Gaby Van Riet (pour ne citer qu’eux) autour d’un répertoire classique à contemporain. Lors de ses années d’études auprès de Reine Flachot (à Paris), Edmond Baert (au Conservatoire Royal de Musique de Bruxelles et à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth), Janos Starker (aux États-Unis) et Natalia Gutman (à la Musikhochschule de Stuttgart), Marie Hallynck s’est distinguée lors de nombreux concours et a reçu diverses récompenses dont : un Prix au célèbre tournoi Eurovision de la musique classique et au concours Tromp (Eindhoven) en 1992, les diplômes d’honneur du Mozarteum de Salzburg et de l’Accademia Chigiana de Sienne et le Prix de la Fondation belge de la Vocation en 1993. Elle est également lauréate de l’association Juventus et de la fondation Emile Bernheim (1996). En 2001, elle est élue « Rising Star » par l’Association des salles de concerts européennes et l’année suivante, « Soliste de l’année » par l’Union de la presse musicale belge. Ses nombreux enregistrements discographiques parus chez Harmonia Mundi, Fuga libera, Cyprès, Alpha, Naxos, Ricercar et Musique en Wallonie lui ont valu les plus hautes récompenses dans la presse spécialisée. Parallèlement à ses activités de concertiste, Marie Hallynck enseigne au Conservatoire Royal de Musique de Bruxelles depuis l’âge de dix-neuf ans. En septembre 2010, elle est invitée à siéger parmi les membres du jury du célèbre concours ARD de Münich. Elle joue sur un violoncelle de 1717 du luthier vénitien Matteo Goffriller.

Muhiddin Dürrüoğlu

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Pianiste et compositeur, Muhiddin Dürrüoglu est entré dès l’âge de onze ans au Conservatoire supérieur d’Ankara (où il a bénéficié d’un régime spécial réservé aux enfants surdoués). Un an plus tard, il commence à se produire régulièrement en concert. Dès 1987 (à l’âge de dix-huit ans), il obtient sa licence et s’installe en Belgique pour compléter sa formation au Conservatoire Royal de Bruxelles avec Jean-Claude Vanden Eynden pour le piano et Jacqueline Fontyn pour la composition. Deux ans plus tard, il est admis à la prestigieuse Chapelle musicale Reine Elisabeth dont il sort gradué en 1992, nanti d’un diplôme de virtuosité avec grande distinction. Finaliste du Concours européen de piano en 1991 et lauréat du Concours Nany Philippart en 1992 il est également Lauréat de la Fondation de la Vocation.

Toujours soucieux de se perfectionner, il s’inscrit l’année suivante à l’Indiana University School of Music à Bloomington (Etats-Unis), où il effectue un doctorat en piano. C’est en 1993 que Muhiddin Dürrüoğlu commence à se faire reconnaître comme compositeur : ses six Préludes pour piano lui valent le Prix Arthur De Greef de l’Académie Royale des Beaux Arts, des Lettres et des Sciences de Belgique et « Contact » pour flûte et piano, la coupe de la création musicale de l’Académie de Lutèce à Paris. En 1996, il obtient le Prix Sabam pour « Contact 2 » au concours des Muizelhuisconcerten et en 2000, il reçoit le Prix André Chevillion – Yvonne Bonnaud de la Fondation de France pour Le Tourneur. Deux de ses œuvres sont à nouveau primées lors de concours internationaux de composition: Nebula qui reçoit le Prix Irène Fuérison et Varioactivité qui reçoit le 2e Prix du concours de Hulste. Si sa musique fait parfois référence à l’Orient (Le Tourneur évoque les derviches tourneurs) elle convie aussi ses auditeurs à des voyages bien plus lointains, notamment dans … des pas sur la lune…, qui est un hommage à Debussy, ou dans Nebula, voyage imaginaire à travers une nébuleuse…

Ses concerts, comme soliste ou comme chambriste, l’ont mené dans de nombreux pays comme la Turquie, la Belgique, la France, le Pays-Bas, l’Allemagne, l’Espagne, la Roumanie, l’Italie, Israël, l’Argentine, le Portugal, le Danemark, le Luxembourg, la Chypre, la Corée du Sud, la Hongrie, la Chine, la Russie, le Royaume–Uni et les États–Unis où il propose un vaste répertoire qui s’étend des grands classiques aux compositeurs actuels. Muhiddin Dürrüoğlu participe très activement à la vie musicale belge, son pays d’adoption, et enseigne comme professeur au Conservatoire Royal de musique de Bruxelles. Ses enregistrements discographiques ont été publiés par les labels Fuga Libera, Pavane, Cyprès, Kalidisc, Talent, Megadisc et René Gailly. Parmi ses nombreux partenaires de musique de chambre, mentionnons tout particulièrement le clarinettiste Ronald Van Spaendonck et la violoncelliste Marie Hallynck avec lesquels il a fondé l’Ensemble Kheops ainsi que Graf Mourja, Hervé Joulain et Lise Berthaud.

Agnieszka Kolodziej

Les Basses de Bruxelles

Réunies pour l’interprétation du Requiem de François-Auguste Gevaert, les Basses de Bruxelles sont un ensemble instrumental composé de musiciens professionnels actifs au sein d' orchestres symphoniques et de nombreux ensembles spécialisés (La Monnaie, ONB, Brussels Philharmonic, Millenium Orchestra, Musiques Nouvelles, …) et désireux d’aborder un répertoire qui privilégie les instruments graves de l’orchestre.

Ensemble Vocal de Bruxelles

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L’histoire de l’Ensemble Vocal de Bruxelles est celle d’une rencontre heureuse de trois choeurs d’hommes – Le Petit Orgue, Le Tétra-Lyre et L’Ensemble de Cantor – lors du 60ème anniversaire de la Chorale du Collège Saint-Pierre d’Uccle. “Leur” chorale pour la plupart.

Une rencontre, oui, mais aussi une véritable symbiose créée entre ces différentes générations de chanteurs, unies par l’amour de la musique. L’organisation de deux prestigieux concerts, mais surtout le troisième prix décroché, à Montreux en 2013, lors du “Montreux Choral Festival”, n’a fait que, plus encore, les rapprocher.

Un beau mélange de fougue, de dynamisme et d’expérience.

Le groupe, dirigé par Philippe Fernandez, peut puiser dans un très vaste répertoire. Il privilégie les morceaux romantiques, sans pour autant oublier toute la richesse de la liturgie slavonne ou de pièces plus contemporaines.

L’histoire de l’Ensemble Vocal de Bruxelles est celle d’une rencontre heureuse de trois choeurs d’hommes – Le Petit Orgue, Le Tétra-Lyre et L’Ensemble de Cantor – lors du 60ème anniversaire de la Chorale du Collège Saint-Pierre d’Uccle. “Leur” chorale pour la plupart.

Une rencontre, oui, mais aussi une véritable symbiose créée entre ces différentes générations de chanteurs, unies par l’amour de la musique. L’organisation de deux prestigieux concerts, mais surtout le troisième prix décroché, à Montreux en 2013, lors du “Montreux Choral Festival”, n’a fait que, plus encore, les rapprocher.

Un beau mélange de fougue, de dynamisme et d’expérience.

Le groupe, dirigé par Philippe Fernandez, peut puiser dans un très vaste répertoire. Il privilégie les morceaux romantiques, sans pour autant oublier toute la richesse de la liturgie slavonne ou de pièces plus contemporaines.

Guy Danel

Les Métamorphoses Orchestra

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Inspirés par les travaux de Nikolaus Harnoncourt et Sir Roger Norrington, les instrumentistes de l’orchestre Les Métamorphoses se donnent pour mission de créer une sonorité la plus adaptée à chaque époque en utilisant des instruments modernes tout en favorisant l’intégration d’instruments anciens quand le mélange s’avère convainquant (cors  et trompettes naturels, timbales anciennes, contrebasses avec cordes en boyaux…).

Fondé par Camille et Raphaël Feye, l’ensemble est composé de musiciens choisis pour leur engagement et leur curiosité pour la pratique et l’interprétation historiquement informées.

Mátyás Mézes

Mátyás Mézes a commencé l’étude du violon à l’âge de 6 ans. Lauréat de nombreux prix musicaux en Slovaquie, son pays natal, il étudie ensuite à l'Académie Franz Liszt de Budapest avec Eszter Perényi avant de rejoindre le Koninklijk Conservatorium Brussels pour terminer un master auprès de Katalin Sebestyén et de Philippe Graffin. Avec son partenaire de musique de chambre Rémy Dechambre (piano), il a remporté le prix de musique de chambre « Marie Errera » au KCB.

Actuellement, il se perfectionne à Lucerne auprès d’ Igor Karsko. Il a également participé à de nombreuses masterclasses avec entre autres Pavel Vernikov, Stephan Picard, Valery Sokolov, György Pauk et Gyula Stuller. Lors des festivals Aurora, Auer et du Pärnu Music Festival, il a eu l'occasion de jouer aux côtés d'artistes renommés tels que Kurt Masur, Paavo Järvi, Misha Maïsky, Radu Lupu, Viktoria Mullova et Lisa Bathiashvili. Il a été concermeister du BruMaTi Orchestra et de l'Auer Youth Symphony Orchestra. Depuis l'été 2017, il est membre de l'Estonian Festival Orchestra dirigé par Paavo Järvi et avec lequel il a effectué une tournée dans des salles prestigieuses comme la Philharmonie de Berlin, le Konzerthaus de Vienne, la Tonhalle de Zurich et Bozar à Bruxelles. Depuis septembre 2017, il est concertmeister de l'Orchestre Philharmonique d’Etat de Košice (Slovaquie).

Léonore Frommlet

Enchantée par ses cinq années d’études auprès du chambriste Toon Fret au Conservatoire Royal de Liège, Léonore obtient un master en flûte traversière en 2014 et se réalise dans la co-fondation d'ensembles de musique de chambre. Léonore étudie également la philosophie à L'Université Libre de Bruxelles depuis 2017.

Avec son ami Rémy Dechambre (piano), elle crée un programme axé sur le chant instrumental et fonde le duo Ex Machina avec la conviction que musique et philosophie forment un couple inséparable. Avec la harpiste Martina Antognozzi et l’altiste Gergely Kóta, elle mêle dans le Trio Becel les oeuvres de compositeurs des XIXième et XXième siècles et s'engage dans le Duo Idylle (avec la bassoniste Camille Donnat-Bart) à la remise au goût du jour d'un répertoire classique savoureux et plein de fraîcheur pour vents. Léonore s'implique avec autant de ferveur dans la transmission, par l'enseignement de la flûte et la sensibilisation des plus jeunes à la musique classique via les dispositifs d’orchestres à l'école et le projet Démos.

Jérôme Giersé

Tristan Driessens

Rémy Dechambre

Rémy Dechambre a commencé à jouer du piano dès l'âge de 7 ans à l'école de musique de son village. Cinq ans plus tard, il continue son apprentissage au conservatoire de Verviers où il étudie également la musique de chambre, l’accompagnement, l’harmonie et les percussions tout en participant au big band et à l'ensemble jazz.

En 2009, il entame des études musicales supérieures au Conservatoire Royal de Liège puis au Koninklijk Conservatorium Brussel où il obtient un master en piano avec distinction en 2015 dans la classe de Boyan Vodenitcharov. Il y remporte également le prix « Marie Errera » pour la musique de chambre avec son ami violoniste Mátyás Mézes.

Il se perfectionne ensuite en musique de chambre avec Thomas Dieltjens (KCB) et obtient une agrégation en pédagogie avec grande distinction à l'IMEP.

A présent, Rémy Dechambre enseigne le piano au conservatoire de Verviers et à Schola Nova, tout en poursuivant un master en écritures musicales au Conservatoire Royal de Liège dans la classe de Joseph Gilet. Rémy Dechambre a toujours été passionné par tous les genres de musiques, ce qui l'a amené à se consacrer à de nombreux projets dans des styles très variés (tango, salsa, chanson française, rock). Il a également participé à des masterclasses (Suisse, Espagne, Royaume-Uni) et s’est produit dans de nombreux pays (Allemagne, France, Pays-Bas, Suisse, Cuba).

Irina Lankova

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Irina Lankova rayonne par son talent et sa grâce sur les plus grandes scènes du monde. Décrite par la presse internationale comme une pianiste au « toucher véritablement poétique" et aux « couleurs infinies », elle réunit dans son jeu les meilleures traditions de l'école russe et la fraicheur d'une interprétation personnelle.

Irina Lankova joue dans des salles prestigieuses telles que Wigmore Hall à Londres, Flagey à Bruxelles, Französischer Dom à Berlin, Salle Gaveau à Paris et Cidades das Artes à Rio. Elle est l’invitée de nombreux festivals internationaux:  Piano Folies à Touquet, Schiermonnikoog Kamermuziekfestival, Musiq'3, Festival de Wallonie, Brussels Summer Festival, Fortissimo d’Orléans, Académie d’Été de Nice, Berlin Summer Festival, Sagra Musicale Umbria. 

Née en Russie et diplômée de l’Ecole Gnessine à Moscou et du Conservatoire Royal de Bruxelles, elle a suivi les enseignements des grands maitres tels que Vladimir Tropp, Evgenij Mogilevsky et Vladimir Ashkenazy. 

En 2008, Irina Lankova fut invitée à rejoindre l’élite mondiale des « Artistes Steinway ». 

Irina Lankova a gravé quatre disques solo, tous loués par la critique internationale, dédiés à Rachmaninov, Liszt, Scriabine, Chopin et Schubert. 

Passionnée par le répértoire de musique de chambre, Irina Lankova partage régulièrement la scène avec d'autres artistes tels que Tatiana Samouil, Philippe Graffin, Dimitry Maslennikov, Jeroen Reuling, Pascal Moraguès, Marie Hallynck et d'autres.

Inspirée par d’autres formes artistiques et dans l’esprit d’innover la présentation de la musique classique, Irina Lankova développe une série des projets personnels. Le premier, ‘Miroirs Goldberg’ fut présenté dans la Cathédrale de St Michel et Gudule de Bruxelles en 2014, et fut reproduit à Französischer Dom de Berlin en 2015. En avril 2016, elle lance son concept des concerts racontés 'Piano dévoilé'.

Irina Lankova est également productrice de concerts en Belgique et en France, elle donne des conférences sur la musique classique et popularise celle-ci grâce à diverses apparitions et collaborations. Elle est la directrice artistique du Festival International de musique Max van der Linden en Belgique et la fondatrice de Lime&Honey plateforme, alliant les actions artistiques et humanitaires.

Trio Khaldei

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Le Trio Khaldei regroupe trois musiciens qu’unit une passion commune de la musique de chambre et, plus particulièrement, des sonorités propres au trio à clavier : la pianiste Barbara Baltussen, le violoniste Pieter Jansen et le violoncelliste Francis Mourey.

Depuis son premier concert en 2011, le Trio Khaldei est passé du statut de jeune ensemble prometteur à celui de valeur sûre pour les grandes scènes de Belgique et à l'étranger. Il a été salué pour sa "cohérence, sa délicatesse, sa constance et son feu d'artifice sur scène".

Au cours des dernières années, le trio s'est produit dans des lieux prestigieux tels que le Palais des Beaux-Arts (Bruxelles), AMUZ (Anvers), le Muziekcentrum de Bijloke (Gand) et le Concertgebouw de Bruges; ainsi que dans de nombreux festivals: Festival de Flandres, Festival 20/21, Is Arti (Lituanie), Spectrum Festival (Slovénie), Arsana Festival (Slovénie), Eesti Kontsert (Estonie), Baltais Fligelis (Lettonie) et Performer's Present International Artistic Symposium (Singapour). Le trio a également réalisé plusieurs enregistrements pour Canvas (télévision), Klara (radio) et la radio nationale slovène.

Les deux premiers enregistrements du Trio Khaldei ont été produits sous le label français Paraty (distribué par Harmonia Mundi). Le premier album est sorti en 2017 et présente deux magnifiques duos de Prokofiev et les deux trios avec piano de Chostakovitch.

Le deuxième album (2019) est un double voyage dans le temps, ses œuvres (le Trio n° 2 de Hummel, le Trio n° 2 de Brahms et Verkärte Nacht de Schoenberg) représentant non seulement différents moments du jour et de la nuit, mais couvrant également un siècle de l'histoire du trio avec piano viennois.

Au printemps 2023, Evil Penguin Classic sortira le troisième album du Trio Khaldei - intitulé "Jeux de couleurs" - combinant les trios de Ravel et Celis avec un surprenant arrangement pour trio avec piano de La Mer de Debussy par Sally Beamish.

Le Trio Khaldei aime réunir dans ses programmes musiques d'hier et d'aujourd'hui, faisant découvrir au public la musique de compositeurs moins connus comme de grands maîtres. Ses musiciens cherchent également à repousser les limites du répertoire du trio en proposant des arrangements d'œuvres orchestrales (ex. Beethoven, Chostakovitch, Debussy) qui apportent inévitablement un éclairage nouveau sur cette musique que l'on croyait connue de fond en comble.

L'homonyme du trio, Evgueni Khaldei, était le photographe officiel du régime stalinien et a créé des portraits saisissants de certains des grands artistes russes de l'époque. La recherche de vérité, d'authenticité et de nuances apportées par ce photographe aux moments difficiles de sa vie sont une grande source d'inspiration pour le trio.

Francis Mourey

Musicien aux nombreuses facettes — violoncelliste, mais aussi organiste et chef-d’orchestre — la passion de Francis Mourey pour la musique remonte dès son plus jeune âge. Son parcours l’emmène au Conservatoire de Dijon dans la classe de Laurent Lagarde, puis au Conservatoire royal de Bruxelles dans la classe de Marie Hallynck, où il obtient une licence avec grande distinction. Il intègre alors la classe de France Springuel au Conservatoire royal d’Anvers et termine ses études en 2009 par l'obtention d'un postgraduaat avec grande distinction. Il remporte la même année le premier prix du concours international Servais.

Attiré par tous les aspects de son métier, il joue au sein de nombreuses formations, des grands orchestres belges comme le Belgian National Orchestra aux ensembles plus spécifiques tels que Boho Strings ou Les Métamorphoses.

Mais c’est au jeu chambriste qu’il dédie l’essentiel de son temps, faisant partie du Trio Khaldei, du quatuor à cordes BiSS et de l’octuor La Cheville Affolée. Il forme également un duo avec la pianiste Aude Vallée. Avec ces ensembles, Il se produit régulièrement sur les grandes scènes belges comme Bozar (Bruxelles), le Concertgebouw de Bruges, DeSingel (Anvers) ; mais aussi à l’international : France, Pays-Bas, Slovénie, Pays Baltes, Singapour,…

Francis Mourey est assistant des classes de musique de chambre et violoncelle au Conservatoire Royal de Bruxelles ainsi que professeur de violoncelle à l'académie de Molenbeek-St-Jean. Il joue sur un violoncelle du luthier Tanguy Fraval réalisé en 2014.

Ensemble Quartz

Pauline Caplier

Ensemble Lâmekân

Fondé en 2011 par Tristan Driessens, le Lâmekân Ensemble nous plonge dans la musique classique de l’Istanbul ottomane. Des musiciens de Turquie et d’Europe occidentale nous emportent vers les palais, les lieux publics et les temples soufis où a fleuri le maqâm ottoman à la fin du XVIIIe et durant le XIXe siècle. Le Lâmekân Ensemble restitue un son authentique, harmonieux, et nous dévoile la variété et la richesse du patrimoine musical de la ville. L’ensemble présente à BOZAR son premier album Music of the Ottoman Court (qui paraît chez M&MT Records - www.mmtrecords.com), en compagnie de Derya Türkan, le célèbre joueur de kemençe.

Adam Newman

Adam Newman commença à étudier la musique à l’âge de 7 ans. Il étudia une grande variété d’instruments, dont le violon et le piano avant de se concentrer sur l’alto, à l’âge de 14 ans. Il étudia à la “Junior Royal Northern College of Music” avec Louise Lansdown, école de laquelle il se diplôma avec distinction.
Adam a participé régulièrement au  Verbier Festival, à l’IMS Prussia Cove, au Thy Chamber Music Festival, au Tibor Varga Masterclasses et à des Masterclasses à Londres où il étudia auprès d’altos renommés tels Tabea Zimmerman, Bruno Giurana, Thomas Riebl, Nobuko Imai, Kim Kashkashian and Lawrence Power.
Adam aime travailler avec l’ English Chamber Orchestra, l’Aurora Orchestra, le London Conchord Ensemble, le Razumovsky Ensemble, l’ Aronowitz Ensemble et le Nash Ensemble.

Sluchin Naaman

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Né dans une famille de musiciens, Naaman Sluchin s'est tout naturellement dédié au violon. Sa passion pour la nouveauté et la diversité l'a guidé et se reflète tout au long de son parcours artistique.
 
Pendant sept ans, il fait partie du quatuor Diotima qu'il quitte en 2011. Brassant les répertoires classique et contemporain, avec de nombreuses créations, le quatuor se produit dans les salles et festivals les plus prestigieux, et enregistre des disques acclamés par la critique, notamment Musique américaine (avec Reich, Crumb et Barber) produit par Naïve ainsi que les Quatuors de Janáček (Diapasons d'Or de l'année, Choc de Classica).
 
2014-2015 se révèle une saison de renouveau pour le violoniste franco-israélien. En musique de chambre, il continue à développer son répertoire au sein de diverses formations, telles l'Ensemble Sésame ou en duo avec la pianiste Dana Ciocarlie. Invité en tant que violon solo dans divers projets d'orchestre, notamment avec la Chambre Philharmonique ou le Dresden Festspielorkester, il poursuit l'aventure avec son ensemble de chambre Talisma (spécialisé dans le répertoire romantique sur instruments d'époque), ainsi que le groupe NASDAK (qui mêle le classique à la musique klezmer). Pour la troisième saison consécutive, Naaman se produit dans le spectacle musical Haim, à la lumière d'un violon, désormais aux côtés de la comédienne Mélanie Doutey.
 
Depuis 2010, Naaman Sluchin consacre aussi son temps à l'enseignement au Conservatoire royal de Bruxelles. Parallèlement, il obtient son diplôme à la Schola Cantorum de Bâle en violon baroque dans la classe d'Amandine Beyer. Cet éclectisme, Naaman l'a cultivé tout au long de ses études : il a construit sa technique en étudiant à la fois l'école violonistique russe (avec B. Garlitsky) au CNSM de Paris, l'école américaine à Bloomington ainsi que de la Juilliard School de New York (avec M. Fried et D. Weilerstein), sans oublier la célèbre école franco-belge dans la lignée directe de l'enseignement d'Eugène Ysaye (avec Y. Kless).
 
Naaman joue selon les répertoires et envies sur un violon de Carlo Antonio Tononi de 1725, en alternance avec un violon américain fabriqué pour lui en 2008.

Aleksandar Madžar

Aleksandar Madžar first studied piano with Gordana Matinovic, Arbo Valdma and Eliso Virsaladze in Belgrade and Moscow, then with Edouard Mirzoian at the Strasbourg Conservatory and in Brussels with Daniel Blumenthal. He now holds professorships at the Royal Conservatoire, Brussels and the Hochschule für Musik und Theater in Bern.

Madžar was awarded the 3rd prize at the XII Leeds competition. Of his prize in the 1996 Leeds Piano Competition, Gerald Larner of The Times described Madžar as the most imaginative musician among the 1996 finalists. The Leeds competition propelled Madžar onto the UK scene where he also became a sought after soloist with the Royal and BBC Philharmonics, BBC Scottish Symphony, Scottish Chamber Orchestra and BBC National Orchestra of Wales, as well as throughout Europe and Asia, working with Paavo Berglund, Ivan Fischer, Paavo Järvi, Carlos Kalmar, John Nelson, Libor Pesek, André Previn, Andris Nelsons and the late Marcello Viotti.

Various select partnerships are key to Aleksandar Madžar’s current performance schedule. His partnership with violinist Ilya Gringolts sees them next perform a complete Beethoven cycle at the 2008 Verbier Festival and, following the world premiere of Sir Peter Maxwell Davies' Violin Sonata at St Magnus and Cheltenham Festivals in summer 2008, recitals at Prague and Beethovenfest Bonn Festivals. His partnership with soprano Juliane Banse continues next season with a tour of Spain to Bilbao, Valencia, Leon and Lisbon’s Gulbenkian Foundation. After a successful cooperation with the Irish Chamber Orchestra's 2007 summer festival, under the artistic leadership of colleague Anthony Marwood, the two further collaborated in recital in Edinburgh. Plans include a cycle at the Wigmore Hall, his recital debut in Amsterdam's Concertgebouw Hall and a return in recital to the Wigmore Hall, London.

In 2008-09 Madžar maintained his schedule of diverse performance activities taking him worldwide: in recital he returned to Tokyo, to Paris, Theatre de la Ville, Cardiff and the Vlaanders Festival. With Stuttgart Philharmonic he performed in Milan’s Conservatorio G Verdi, and returned to the Irish Chamber Orchestra, BBC Belfast Symphony and Belgrade Philharmonic.

Aleksandar Madžar has given solo recitals in Berlin, London, Rome, Florence, Milan, Hamburg, Duisburg and in 2007-08 his US recital debut on the Miami International Piano Festival was an astounding success. He is a regular guest artist at the festivals of Bad Kissingen, Schleswig Holstein, the Ivo Pogorelich Festival at Bad Wörishofen, Klavier Festival Ruhr, Davos, Roque d’Antheron, Salzburg, Sintra and Aldeburgh.

His discography includes the two Chopin piano concertos, with the Frankfurt Radio Symphony Orchestra and Dmitri Kitaenko for BMG/Classic FM (1997), for the French label Arion (1999) a disc of Chabrier's music for two pianos and, working regularly with cellist Louise Hopkins, a disc of Elliot Carter, Rachmaninov and Schnittke for the Swedish label Intim Musik.

Justus Grimm

Né à Hambourg, Justus Grimm commence le violoncelle à l’âge de cinq ans. D’abord élève de son père, il poursuit ses études à Sarrebruck avec Ulrich Voss, puis à Cologne avec Claus Kanngiesser et Frans Helmerson. Il remporte les premiers prix du Concours international de musique Maria Canals et du Concours national d’Allemagne.

En tant que soliste, il crée le concerto pour violoncelle La Metamorfosi di Narciso de Matthias Pintscher avec l’Orchestre philharmonique de Hambourg, et se produit avec plusieurs orchestres dont l’Orchestre de chambre d’Angleterre, l’Orchestre symphonique de la Monnaie, l’Orchestre de chambre de Londres, le Staatsorchester Rheinische Philharmonie, l’Orchestre philharmonique du Brandebourg et la Klassische Philharmonie de Bonn. En 2012, il interprète avec l’Orchestre symphonique de la Monnaie les Variations sur un thème Rococo de Tchaïkovski, sous la baguette de Carlo Rizzi, lors d’un concert retransmis en direct par la télévision flamande.

Musicien de chambre passionné, Justus Grimm enregistre, avec le pianiste Florian Wiek, des sonates pour violoncelle de Beethoven, Brahms et Chostakovitch. Rejoints par la flûtiste Christina Fassbender, ils forment le Trio Wiek et enregistrent des œuvres de Weber, Farrenc et Mendelssohn. En 2009, leur album de pièces de Philippe Gaubert est récompensé de cinq Diapasons par le magazine du même nom. Depuis 2008, Justus Grimm se consacre également au répertoire pour quatuor avec le Quatuor Malibran.

Sa carrière de musicien de chambre l’amène à se produire aux côtés d’Abdel Rahman El Bacha, Gérard Caussé, Augustin Dumay, Benoît Fromanger, Stephen Kovacevich, Katia et Marielle Labèque, et Christian Poltéra, entre autres, et à participer à de nombreux festivals européens. Il est artiste en résidence au festival « Cantiere » de Montepulciano depuis 2010.

Depuis 2008, Justus Grimm est professeur titulaire du Conservatoire d’Anvers.

Jean-Lou Loger

Jean-Lou Loger obtient en 1997 un premier prix de violoncelle à l'unanimité et de musique de chambre avec les félicitations du jury au CNR d'Amiens.

En 1998, il entre premier nommé en cours supérieur à l'ENM de Créteil dans la classe d'Isabelle Veyrier où il obtient à l'unanimité les premiers prix de violoncelle et de musique de chambre.
Après deux années de perfectionnement, il est admis en 2000 au Conservatoire National Supérieur Musique et Danse de Lyon dans la classe d' Yvan Chiffoleau et de Patrick Gabard. Il obtient son DNESM de violoncelle. En décembre 2004, il est admis à l'Orchestre des Pays de Savoie. Parallèlement, il entre en Cycle de Perfectionnement dans la classe de Michèle Scharapan au CNSM de Lyon et obtient le DNESM de musique de chambre.
En janvier 2007, il intègre le Quatuor Leonis, lauréat de concours internationaux (3ème prix du concours international de Genève) et suit l'enseignement du Quatuor Ysaïe, de Gábor Takács, de Rainer Schmidt, de Valentin Erben, Heberardt Feltz et Paul Katz. Avec cet ensemble, il commence une riche collaboration avec Olivier Py qui leur propose une résidence de cinq ans au Théâtre de l'Odéon.
Il est amené à jouer le concerto de Saint Saëns avec l'orchestre de Picardie. Il donne également de nombreux récitals avec le pianiste Valéry Rogacev. Il se produit dans de nombreux festivals ( l'Epau, Orangerie de Sceaux, Accadémia nazionale di santa cecilia, musique aux chandelles, festival les musiques GMEM de Marseille, Archipel à Genève...).
 

Gergely Kóta

Né à Komárom (Hongrie) en 1982, Gergely Kóta commence le violon à l'âge de 8 ans.

Après avoir suivi ses humanités musicales à Gyór (Hongrie), il entre en 2000 au Koninklijk Conservatorium Brussel dans la classe de Kati Sebestyén où il obtient successivement son Diplôme de Candidature et son Diplôme de Master.

Pendant deux ans, il se produit également dans l'ensemble d'improvisation libre de la classe de Kris Defoort au Koninklijk Conservatorium Brussel.

Il fait partie de l'orchestre de chambre Sebastian Strings et du quatuor à cordes La Barca avec lequel il a réalisé un projet théâtral autour de James Ensor. Avec son duo de musique improvisée (violon-percussions), il a participé au festival de jazz de Pápa (Hongrie), et avec le groupe allemand Kulturtechniker, il a effectué une tournée basée sur un projet littéraire et musical.

Il poursuit actuellement une spécialisation en musique de chambre avec son duo (violon-piano), trio à clavier et quatuor à cordes, ainsi que l'agrégation au Conservatoire Royal de Musique de Bruxelles.

Raphaël Feye

Violoncelliste et chef d’orchestre, Raphaël a passé son adolescence sur les bancs et dans le jardin de Schola Nova. Il y enseigne à présent la musique et y organise depuis 2003 une série de concerts de musique de chambre. Lauréat des Conservatoires Royaux de Musique de Bruxelles (avec grande distinction dans la classe de Marie Hallynck), de la Hochschule für Musik «Felix Mendelssohn-Bartholdy» de Leipzig et de la Chapelle Musicale Reine Elisabeth, il s’est perfectionné avec les membres des Quatuors Alban Berg, Artemis et Danel, le violoncelliste Lluis Claret ainsi qu'avec le compositeur et chef d'orchestre Peter Eötvös. Il étudie la direction d’orchestre auprès de Jean-Sébastien Béreau, Jorma Panula et Niels Muus. Il a eu l’occasion de diriger les London Mozart Players, le Janacek Philharmonic d' Ostrava et a débuté comme chef invité à l'Opéra National de Constanta dans le Barbier de Séville de Rossini. En 2016, il remporte un prix spécial au concours organisé par les London Soloists et est invité à diriger « la Flûte enchantée » de Mozart à l’Opéra d’Etat de Rousse. Depuis 2016, Raphaël assiste régulièrement aux répétitions de Sir Roger Norrington dont le travail l’inspire particulièrement. De Bruxelles à Naples, de Lisbonne à Moscou, violoncelliste du quatuor CoryFeye avec son frère Alexandre de 2002 à 2014, il se produit lors de nombreux festivals européens. Il partage la scène avec des musiciens comme Elina Buksha, Malin Broman, Jean-Michel Charlier, Guy Danel, Lorenzo Gatto, Barbara Giepner, Marie et Sophie Hallynck, Pavel Kolesnikov, Yura Lee, Julien Libeer, Aleksandar Madzar, Pascal Moraguès, Philippe Raskin, Laura Samuel, George Tudoraché, Boyan Vodenitcharov et bien d’autres. Il a participé récemment à plusieurs retransmissions de concerts pour les radios Musiq 3 et Klara. Avec le Quatuor CoryFeye, il a participé aux tournées des Jeunesses Musicales en présentant un « Voyage sur le Danube » dans de nombreuses écoles.

Veerle Houbraken

Née dans une famille de musiciens, Veerle Houbraken est fascinée depuis son plus jeune âge par le violon. Elle intègre très tôt la classe de violon de Madame Rijmenants, chez qui elle étudie pendant une dizaine d’années. Elle termine son cursus dans cette école de musique avec les plus grandes distinctions et atteint la finale de plusieurs concours durant cette période. Elle entre ensuite dans la classe du Prof. Adam Korniszewski au Conservatoire Royal de Bruxelles, où elle obtient un premier prix de violon, ainsi qu’un premier prix de musique de chambre dans la classe du Prof. André Siwy. En 2005, elle obtient son master avec grande distinction dans cette même institution. Elle se perfectionne ensuite au Conservatoire de Prague auprès de Prof. Tomasek et obtient en 2007 son diplôme pédagogique. Encore aux études, on retrouve Veerle comme Concertmaster de l’Orchestre des jeunes d’Anvers (dir. Ivo Venkov). Elle joue également rapidement dans les différents orchestres professionnels du pays. Elle est notamment invitée à l’Orchestre de l’Opéra des Flandres, au Brussels Philharmonic où elle travaille avec des chefs prestigieux. Depuis 2007, elle est premier violon à l’Orchestre Symphonique des Flandres. Afin de se perfectionner encore davantage, Veerle participe régulièrement aux masterclasses de nombreux professeurs dont G. Schultz, H Müller, M. Rizzi et L. Strauss. En 2011, Veerle est invitée par la fondation Barenboïm-Said à enseigner au conservatoire de Ramallah en Palestine. Depuis quelques années déjà, Veerle est également professeur de violon à l’académie « de Kunstbrug » de Gentbrugge, membre permanent du Synfonieorkest Vlaanderen et du Brussels Philharmonic et primaria de  l'ensemble Odysseia.

Alexandre Feye

Alexandre Feye est né en 1985 et commence le violon à l'âge de huit ans auprès de Benoît Meulemans, dont il suivra les cours jusqu'à son entrée au Conservatoire Royal de Musique de Bruxelles en 2001.

Il entre alors dans la classe d'Adam Korniszewski et obtient les premiers prix de violon et de musique de chambre avec distinction en 2003. En 2006, il obtient le diplôme de licencié en musique avec la plus grande distinction. Il se perfectionne ensuite pendant deux ans à la Staatliche Hochschule für Musik de Karlsruhe auprès de Ulf Hoelscher.

Alexandre se passionne très jeune pour la musique de chambre et ne cesse de se produire en Belgique et à l'étranger (France, Luxembourg, Espagne, Autriche, Hongrie, Pologne, Roumanie, Allemagne, Suisse, Russie, Italie, Pays-Bas, Mexique...) soit en récital, en duo, trio ou quatuor, soit comme soliste ou konzertmeister. (Philharmonies de Berlin, de Munich, Konzerthaus Berlin, Opéra de Rome, Bozar, Flagey...)

Alexandre Feye a été le premier violon du quatuor CoryFeye de 2001 à 2018. 

Il est en outre premier lauréat des prix Edouard Bastin, Horlait-Dapsens, Van Straelen, Lefranc et de Bisschop-Matthyssens.

Parallèlement, Alexandre Feye est professeur de latin, d'histoire et de grec à l'école internationale d'Humanités gréco-latines Schola Nova (Brabant, Belgique) et co-directeur depuis 2017.

Quatuor CoryFeye

Fondé en 2009, le Quatuor CoryFeye se compose de lauréats des conservatoires de Bruxelles, de Karlsruhe et de Lyon. 

Le quatuor CoryFeye a étudié depuis sa création avec les membres du Quatuor Danel. Il s’est ensuite perfectionné de 2011 à 2013 à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth de Bruxelles, où il a suivi l’enseignement du Quatuor Artemis.

Ils ont également reçu les conseils de nombreux éminents quartettistes : les membres du Quatuor Alban Berg, Eberhard Feltz, Wolfgang Boettcher (Quatuor Brandis), Petr Prause (Quatuor Talich), Natalia Prishepenko et Heime Müller (ex-Artemis), le quatuor Allegri, Jean-Marc Bourret (Quatuor Castagneri), Hartmut Rhode (Mozart Piano Quartett), Vaclav Remeš et Joseph Klusoñ (Quatuor Pražák), Matthias Lingenfelder (Quatuor Auryn), Luigi Vecchioni (Quatuor Manfred), Alan George (Quatuor Fitzwilliam) et Jean Sulem (Quatuor Rosamonde), …

Il s'est produit dans la plupart des salles de concerts belges : Bozar,  Flagey, de Singel à Anvers, Concertgebouw de Bruges, Conservatoire Royal de Bruxelles, Grand Théâtre de Verviers, Chapelle Musicale Reine Elisabeth, MIM, Palais des Beaux-Arts de Charleroi, Amuz, Goldmuntz Center d'Anvers, Stadschouwburg de Louvain, à Schola Nova où ils assurent une résidence, ainsi que dans plusieurs centres culturels réputés.

Le quatuor a également participé à de nombreux festivals en Europe : le festival de l’Été Mosan, le festival de Menton, le festival de l'Abbaye du Pin (Poitiers), les Midis-Minimes, les Nuits musicales de Beloeil, le festival « À la française » et « Romantics » à Flagey, les Sommets du Classique à Crans-Montana, Proquartetto à Tournai, le festival « Résonances », le Neckar-Musik Festival de Heidelberg, Arpèges en Gascogne, Musicales des Coteaux de la Gimone, Rencontres musicales de ProQuartet en Seine et Marne, L'Europe en Musique, EuropArt, Festival de Tata (Hongrie), entre autres.

Parmi leurs partenaires de quintette, nous retrouvons des artistes tels que Pavel Kolesnikov, Boyan Vodenitcharov, Amandine Savary, Aleksandar Madzar, Julien Libeer, Guy Danel, Marie Hallynck, Adam Krzeszowiec, Elina Bukša, Pascal Moraguès, Jean-Michel Charlier, László Kuti, Denis Sungho, Dorothea von Albrecht, ou encore le théréministe Thorwald Jǿrgensen.

Les membres du quatuor CoryFeye collaborent avec plaisir avec des compositeurs de notre temps, notamment avec Philippe Boesmans, Christopher Muscat, Michel Déom, Peteris Vasks, Thomas Larcher, Marco Pütz et Peter Eötvös.

Le quatuor est reconnu et soutenu par les tournées « Art et Vie » de la Fédération Wallonie-Bruxelles. Il a également été sélectionné en 2013-2014 par les Jeunesses Musicales pour présenter le projet « Danubius » dans les écoles. 

Leurs concerts font régulièrement l’objet de captations des radios Klara et Musiq 3.

En outre, le quatuor a enregistré chez Arte Sanitas la première intégrale des œuvres pour quatuor à cordes du compositeur germano-russe Georg von Albrecht (1891-1976).

Jean-Michel Charlier

Pierre Solot

Albrapsodie

Joëlle Strauss

Née en Belgique, Joëlle STRAUSS débute le violon à l’âge de 4 ans ; elle complète ses études musicales par le chant et le piano avant d'obtenir ses diplômes dans les Conservatoires Royaux de Mons et de Bruxelles.

Après une formation classique de haut niveau, son intérêt pour le violon la pousse à se 
perfectionner dans d’autres styles, tzigane, klezmer, jazz, oriental, auprès des plus grands maîtres.

Ainsi, parcourant le monde, Joëlle étudie et se produit avec Roby LAKATOS , violoniste tzigane hongrois, Alicia SVIGALS, violoniste du groupe « Klezmatics » à New-York, Johan RENARD, professeur de jazz au Didier Lockwood Music Center à Paris, Jean-Louis RASSINFOSSE, professeur de jazz au Conservatoire Royal de Bruxelles, et Mohamed al MOKHLIS, violoniste oriental.

Son cheminement personnel, influencé par ses origines plurielles, ses voyages, ses rencontres, ses expériences multiculturelles, l’amène à développer un style de jeu unique, très particulier et reconnaissable, empreint d’une grande sensibilité et d’une virtuosité rare.

Joëlle Strauss est membre permanent des « Brussels Virtuosi » ; elle se produit en Trio avec «The Astor Klezmer Trio», Christophe Delporte à l’accordéon et Marc Grauwels à la flûte traversière ; également en Duo avec ce dernier, mais aussi en Duo dans un Programme de World-Jazz-Music avec le pianiste Jean-Philippe Collard-Neven et dans d’autres formations alliant différents Arts de la scène et rassemblant des artistes de toutes nationalités : comédiens, musiciens, danseurs, chanteurs, rappeurs, performeurs… Son éclectisme et sa curiosité la dirigent également vers le Cinéma.

C’est sa passion pour les musiques tzigane et klezmer qui l’amène en 2003 à rejoindre le groupe de musiques juives bruxellois « KRUPNIK » avec lequel elle jouera jusqu'en 2014.

Joëlle Strauss renoue avec le chant et les langues étrangères ; la musique des langues l’a toujours attirée : l’espagnol, le français, l’anglais ont rythmé son enfance ; elle y ajoute le russe, l’hébreu, le ladino (judéo-espagnol) et son professeur, Sonia Pinkusowitz, lui inculque toutes les subtilités du « Yiddish ».

Par sa maîtrise du violon et du chant, Joëlle Strauss défend vigoureusement une culture dans laquelle elle retrouve une partie de ses racines, certes, mais s’emploie surtout à la diffuser en allant à la rencontre des autres, afin que ce patrimoine musical soit reconnu et reprenne vie. Malgré son jeune âge, elle s’est déjà produite dans toute l’Europe, en Scandinavie, au Moyen-Orient, en Afrique, en Asie et dans les deux Amériques.

Joëlle Strauss est nominée en 2013 pour le « Prix Jean Pierre-Bloch » qui récompense « Un artiste et son oeuvre, dans son rapport aux Droits de l’Homme », organisé à Paris par la Ligue Internationale Contre le Racisme et l’Antisémitisme (LICRA).

Joëlle Strauss joue sur un violon exceptionnel de Jean-Baptiste VUILLAUME, célèbre luthier français du XIXe siècle dont la lignée est connue depuis le début du XVIIe.

Christophe Delporte

C'est au Conservatoire Royal de Musique de Mons qu'il obtient successivement les Diplômes Supérieurs d'accordéon, de musique de chambre et de "spécialisation" du solfège.

On peut sans conteste affirmer que sa carrière artistique débute en 1989 en participant au concours "jeunes solistes" de la RTBF où il obtiendra le deuxième prix, mais surtout le prix des téléspectateurs avec une majorité absolue.
"Jamais, je n'ai entendu de l'accordéon joué comme cela" était le leitmotiv qui a commenté ses prestations tout au long des différentes épreuves du concours.
Au-delà d'une grande technique et d'un style poétique d'une étourdissante richesse,  Christophe révèle au grand public un répertoire que peu de gens imaginent à l'accordéon avec des pièces "classiques" écrites pour l'instrument et notamment le concerto n°1 de Nicolaï TCHAIKIN qu'il interprétera en final du concours avec l'orchestre symphonique de la RTBF.

L'année suivante, il représentera la Belgique au cinquième concours EUROVISION des jeunes musiciens organisé à Vienne.
Il jouera avec l'orchestre symphonique de la radio Autrichienne dans la salle mythique du MUSIKVEREIN, retransmis en direct par 23 chaînes de télévision.

Depuis 2004, il est membre fondateur de l’ensemble ASTORIA et se spécialise dans l’interprétation de la musique d’Astor PIAZZOLLA.

Avec ses différentes formations, THE ASTOR KLEZMER TRIO, ASTORIA , le duo HABANERA (Marc GRAUWELS à la flûte), le duo RUBATO (Isabelle CHARDON au violon) et le duo BAYAN   (Philippe HACARDIAUX à l'accordéon),  il participe à différentes émissions de télévision et de radio, enregistre plusieurs albums et se produit régulièrement sur les scènes Belges et Internationales.

1991 marque la première collaboration avec les Jeunesses Musicales de la Communauté Française avec un spectacle autour de Blaise CENDRARS.
Aujourd'hui, ASTORIA fait partie des "incontournables" des tournées des jeunesses musicales.   

Dans un tout autre registre, Christophe accompagne sur scène des artistes de renom tels qu'Annie CORDY,  Henri DES ou Jean-Marc THIBAULT.
Il participe également à l'enregistrement d'albums pour ces mêmes artistes ainsi que pour RENAUD, VAYA CON DIOS, etc.   

Accordéoniste titulaire de Musiques Nouvelles, il a participé notamment à la création de KILDA (l'île aux oiseaux) ainsi qu'au REQUIEM de Pierre BARTHOLOMEE.

Christophe est actuellement professeur d'accordéon à l'Institut Supérieur de Musique et de Pédagogie de Namur (I.M.E.P.).

Marc Grauwels

Marc Grauwels est incontestablement aujourd'hui l'un des flûtistes belges le plus en vue.   
Il le doit, bien sûr, à son talent, à son charisme, à sa personnalité dynamique et généreuse, mais également à son sens inné de la communication.   

Son éclectisme, comme soliste international, a amené une centaine de compositeurs du monde entier à écrire spécialement pour lui.   C’est ainsi que, entre autres, Ennio Morricone lui a dédié les solos de flûte de la Cantate pour l’Europe, Astor Piazzolla, en 1985, la célèbre Histoire du Tango, plus récemment, le compositeur grec Yannis Markopoulos, son nouveau concerto pour flûte qui a servi comme une des musiques inaugurales des Jeux Olympiques de 2004 à Athènes.   

Avant d'avoir achevé ses études musicales dans son pays, Marc Grauwels obtient déjà, à 19 ans, son premier poste en orchestre à l’Opéra des Flandres. Simultanement, il continue à étudier avec, entre autres James Galway et Jean-Pierre Rampal.    En 1976, on le retrouve piccolo solo au Théâtre Royal de la Monnaie à Bruxelles (Opéra National de Belgique), poste qu’il quitte en 1978 pour entrer comme première flûte solo à l’Orchestre Symphonique de la Radio-Télévision Belge.   Il y restera dix ans, non sans avoir été choisi au même poste, en 1986, lorsque fut constitué le célèbre World Orchestra sous la direction de Carlo-Maria Giulini.    Sa carrière de soliste s’est ensuite développée à une vitesse impressionnante ce qui l’amène à quitter définitivement l’orchestre en 1987.   Parallèlement, Il a enseigné pendant quinze ans, comme chargé de cours, au Conservatoire Royal de Bruxelles et est actuellement professeur titulaire au Conservatoire Royal de Mons.

En février 2001, suite à une tournée en Asie, les responsables mondiaux de Naxos à Hong-Kong ont décidé de lui consacrer, au sein de leur catalogue, une collection particulière appelée " The Flute Collection".    Dans les années à venir, cette collection s'enrichira de 30 CDs consacrés au flûtiste Marc Grauwels  (10 CDs Naxos sont déjà disponibles sur le marché mondial).    

Doué d’un naturel jovial et enthousiaste, Marc Grauwels n’hésite pas à multiplier les expériences musicales les plus diverses et fait volontiers alterner Piazzolla avec Mozart, 
Bach avec Ravi Shankar ...   ce qui ne l’empêche pas de montrer autant de sérieux que d’imagination dans l’élaboration de ses programmes.    Son dernier enregistrement, en Première Mondiale (toujours sous le label Naxos), consacré à des oeuvres inédites pour flûte et percussions - oeuvres pour la majorité desquelles il est le dédicataire - en est un bon exemple.   

C'est encore Marc Grauwels qui a participé à la réalisation de la bande sonore du film Amadeus de Milos Forman,  accompagné par Thomas Bloch et l'ensemble Les Brussels Virtuosi, dans le superbe adagio pour harmonica de verre, flûte, hautbois, alto et cello KV 617.   
C'est également lui qui a interprété les sonates de jeunesse, les quatuors et le concerto pour flûte et harpe dans l'intégrale de l'oeuvre de Mozart présentée en un seul coffret 
de 170 CDs.   Ce coffret, Disque d'Or, fait actuellement un succès commercial sans précédent chez Brillant Classics pour le 250ème anniversaire de la naissance de Mozart (déjà plus de 100.000 exemplaires vendus !)  

Avec un minimum de 100 concerts par an dans le monde, plus de 45.000 pages qui lui sont consacrées sur le Web et une discographie déjà riche de plus de 60 Cds comme soliste, 
Marc Grauwels prouve qu'une bonne politique artistique peut aujourd'hui conduire un flûtiste à un formidable succès public.  

Dans sa carrière comme dans ses interprétations, Marc Grauwels  reste fidèle 
à sa personnalité ...   ce qui n’est pas la moindre de ses qualités.

Jean-Sébastien Béreau

Brussels Chamber Orchestra

Mario Villuendas

Thorwald Jørgensen

Bjørg Lewis

Robbe Kieckens

Marinela Doko

Matthieu Widart

Martijn Vinck

Amy Norrington

Namur Chamber Orchestra

Olsi Leka

Quatuor Kryptos

Lilit Grigoryan

Dana Protopopescu

Stéphane Ginzburg

Thibault Lavrenov

Luc Devos

Isil Bengi

Alasdair Beatson

Lucas Blondeel

Stéphanie Salmin

Matthieu Normand